Littera Cuba

Santiago Feliú desde su Planeta Cuba

2010-11-19T07:37:00.000-08:00

Santiago Feliú con sus nuevas canciones de su disco Ay, la vida le pidió “a la esperanza para todos” en el concierto que realizara en la Sala Covarrubias del Teatro Nacional para promocionar su última producción. Feliú no teme ser espontáneo en cada una de sus presentaciones, sino que dice lo que piensa y después lo pasa a su guitarra y su voz como si la conversación con el público perteneciera a su “porfía en razón”.
Tal vez, para los conocedores de la trayectoria musical del autor de Para Bárbara este sea un CD atípico en la creación de Santiago porque une baladas, trova tradicional, una especie de bolero, no obstante es un fonograma que pertenece a la esencia de este cantautor: la reflexión sobre su generación, sus contradicciones y desafíos.
Temas como Ay, la vida es un “grito” ante la desesperanza, la apatía, la enajenación. Feliú apuesta, una vez más, por lo que podamos influir en la historia, la manera de enfrentar el mundo sin temores: “La vida es lo que pasa/ mientras planificamos/ la vida por delante, lo que nos pasará/ si nos quedamos o nos vamos”.
Temas como Descerebrándome el corazón, Ángeles de mí invitan a pensar en los momentos en que nos encontramos en la vida para interrelacionarnos con los demás, pero también reconocernos a nosotros, la búsqueda de la identidad y la estética: “Ya no hay tiempo más perdido, /ni futuro prometido, ya no queda,/ sólo falta un poco más:/ descerebrándome el corazón, sobreviviéndome la próxima mitad. (Descerebrándome…)
En Ángeles de mí se hace acompañar de la voz de Haydée Milanés, quien logra una segunda de extrema calidad, dándole un misterio a la letra y a la vez iluminaciones que nos permiten imaginarnos un mundo donde se pueda vivir “en la distancia/ ángeles de mí/ melodeando el pensamiento/ más sentido que vivir…/ la distancia del tiempo que me vivió/ la distancia del tiempo que amó”.
Santiago Feliú propone con Planeta Cuba una crítica a lo que hemos sido, a los “bloqueos de la mente” que impiden el avance del país, “a los consumidos por la austeridad/ medio siglo siendo diferentes”.
El autor de Náuseas de fin de siglo asegura que podemos construir una sociedad más justa, pues “ya merecemos más que aguantar, que soñar, que sobrecumplir… no hay tiempo”, pero solo con el diálogo y la reflexión sobre el pasado y el presente.
El CD se define por una canción, que según Santiago, “es una especie de autorretrato” Sin tanta soledad donde el dinamismo, la fuerza musical y vocal rompen con la estructura de Ay, la vida, pero dudas se comprende la sinceridad de un trovador que le canta a la vida y a su propio ser: “Soy perfecto, soy gago,soy zurdo, soy vago, soy una porfía en razón, soy la trova del rock and roll, un pequeñísimo burgués sencillo, un jovenzote calmado, una tristeza hueca en el bolsillo, una reunión que tuvo el diablo con Dios”.
Por supuesto, que Feliú tuvo que complacer al público con temas de sus producciones anteriores: Mickey y Mallory, la Ilusión, Sin Julieta, Búscame, Iceberg, Despojos, Alto al fuego, entre otros.
Ay, la vida nos devuelve a un trovador que aun tiene que decir sobre la realidad cubana, pero también sobre el desamor, la esperanza, la soledad. Santiago no presume de una extensa discografía porque su deber es “con el arte”, piensa cada canción, mientras siente un mundo que lo rodea y le manifiesta su dinámica tan sencilla como compleja.
Feliú canta al tiempo que lo amó y a una verdad sobre las cosas que le muestra su guitarra, su idea de “jovenzote calmado” lo vincula a los sonidos más contemporáneos sin olvidar lo tradicional, se funde con la inmensidad mientras escucha los detalles ínfimos de un bosque que lo observa, distante y cerca, alegre y turbulento, “entre ternura y ciclón” porque recuerda que “La vida es suficiente, si entonces no se acaba/ cuando se halló el final /donde se encuentra el pasado con la nada”.

Renacer

2010-11-16T11:23:00.000-08:00

Después de un tiempo sin poder escribir, he regresado aunque con la misma propuesta de textos que me parecen interesantes compartir sobre temas o de Cuba del mundo. En esta ocasión te propongo un texto que intenta bosquejear un tanto sobre los problemas y desafíos que tiene la cultura frente a los medios digitales, Saludos a todos y volvemos a interactuar....

Una mirada digital a la cultura cubana

Por Roberto Miguel Torres Barbán y Giovanni Fernández Valdés

La Casa Cultural del ALBA fue la sede de la Jornada de la Cultura Cubana en Medios Digitales, que desde el 10 y hasta el 12 de noviembre, aglutinó a destacados intelectuales, periodistas, editores e informáticos. Hombres y mujeres protagonistas del acontecer digital de la cultura cubana coincidieron en los debates sobre el uso de las redes sociales, la preservación y socialización de contenidos en la web y los retos para Cuba de la utilización de las nuevas tecnologías.

Como parte del evento se otorgó, con la presencia del Ministro de Cultura, Abel Prieto, el Premio Palmas de Oro Digital para reconocer el trabajo de portales, publicaciones digitales, multimedias y secciones culturales de medios de prensa. El proyecto digital Esquife de la AHS fue galardonado en la categoría de publicación digital por difundir la obra de los jóvenes artistas y escritores. Según el jurado, esta condecoración se entregó por la coherencia de los contenidos que aparecen, por la eficacia en el diseño y la sensibilidad para enfrentar una tema cultural. Además, se concedieron distinciones al portal cultural Príncipe de la provincia de Camagüey, a la multimedia Raúl Roa, Cultura y Revolución, de la Universidad de La Habana y a las emisoras Radio Progreso, con la sección Fotografía Cubana y Radio Rebelde, por Cultura y Educación.

El encuentro, organizado por el Centro de Informática de la Cultura, CUBARTE, contó entre sus más destacados ponentes con el investigador Jesús Guanche, el poeta y ensayista Victor Fowler, los periodistas Luis Toledo y Rosa Miriam Elizalde, así como Víctor Casaus, director del Centro Cultural Pablo de la Torriente Barau, entre otros.

Sin dudas, uno de los paneles que mayor debate suscitó fue el que moderado por Roberto Escobar convocó a reflexionar sobre el “Periodismo Cultural Digital en Cuba”. La Revista Jiribilla fue una de las propuestas, que como ejemplo a seguir, se tomaron en cuenta en el evento; Yinet Polanco y Yoan Hernández, creadores de este sitio brindaron una detallada explicación del mismo y de sus principales logros y restos.

En su ponencia Hernández convocó al uso de las redes sociales en momentos en que se habla de la de “una generación de la web 2 punto 0”, así como a que cada editor intente colocar en Internet la propia agenda del medio que representa.

Nuestra misión, dijo, es colocar contenidos incisivos e inteligentes, no quedarnos a la defensiva en el terreno de la información y pasar a la ofensiva, hacer uso de la ironía y el humor –lo que nos caracteriza a los cubanos; en fin, nuestro periodismo cultural debe parecerse a nuestro tiempo, sentenció.

Víctor Fernández, de la oficina de informatización, convocó a ser rigurosos en cuanto a lo que se “sube” a Internet en nombre de un medio, pues en ese caso dejamos de ser nosotros los que hablamos para hablar en nombre de muchos.

Sin dudas, el plato fuerte de la jornada lo constituyó la conferencia del director de la publicación La Calle del Medio, el periodista Enrique Ubieta, quien habló “en nombre un usuario de la red y no de un especialista, por lo que estas notas resultan algo así, como reflexiones de un receptor”.

Ubieta, quien además, es autor de una de las páginas personales más seguidas en el país, comentó que actualmente existen 112 millones de blogs en todo el mundo, y se crean más de 150 mil diariamente.

Estos, acotó, resultan una magnífica manera de crearse la ilusión de tener nuestro propio periódico personal, de mantener un continuo debate con uno mismo y la sociedad, así como también propicia el intercambio permanente de ideas.

El viernes 12 comenzó con el debate sobre La cultura cubana ante el reto de las nuevas tecnologías, con la presencia de Rafael de la Osa (moderador), Víctor Casaus, Víctor Fowler y Luis Toledo. El escritor y ensayista Casaus habló sobre cómo el Centro Pablo emplea la tecnología digital para compartir información no solo sobre la vida del autor de El soldado desconocido cubano sino de la labor para promocionar el arte joven.

Por su parte, tanto Víctor Fowler como Luis Toledo enfatizaron en los contenidos que se ponen en las páginas web y la manera en que los usuarios puede obtener esos datos. Según Fowler hace falta un pensamiento digital que permita crear una concepción sobre qué hacer y para qué hacer nuestros propios productos comunicativos, es decir que tanto cubanos como extranjeros que visiten la web no lo hagan por azar sino facilitar vías de información rápidas para que el usuarios sepa qué va a encontrar.

Toledo enfatizó que en la red existen innumerables sitios con datos, fotos, videos y que Cuba tiene que insertarse de alguna manera para poder transmitir sus ideas, su proyecto, pero tiene que realizarse de forma visible y creativa. Los sitios cubanos son en ocasiones rígidos, confesó Toledo, sin dinamismo, pero son problemas solubles.

Fowler afirmó que tampoco es oportuno para un país subdesarrollado pensar que con la tecnología se puede alcanzar el fin que uno desee sino que esta es medio que debe servir en la búsqueda de la verdad, la estética y la belleza. Analizó, además, el papel de las nuevas tecnologías en la sociedad cubana, en cambio de pensamiento que amerita a la hora de pensar una determinada estrategia política.

Las almas de Deseos Líquidos

2009-07-06T09:03:00.000-07:00

La vida puede ser una serie de sucesos inconexos, de azares incomprensibles, de silencios enajenantes, pero la mujer debe ser capaz de ser feliz en su propio mundo, en su espíritu. Esa es la idea que nos dejó el libro de cuentos ganador del Premio Calendario 1998 Deseos líquidos de las escritoras Aymara Aymerich y Elvira Rodríguez.
La mujer, pensando y deseando sobre su propio ser, se enfrenta a una dinámica social en la que personajes como Hanna o Alph(a) no pueden convertirse en objetos sexuales, sino que cada gesto erótico es un concepto que las trasciende: la libertad.
Hombres que no las aman caen en una red de incertidumbres, porque Alph(a) no es un ser terrenal sino significativamente espiritual. Mientras menstrua prefiere adueñarse del infinito y la salida a un espacio-otro lo garantiza cuando evade esa realidad “demasiado” objetiva: cuartos derruidos, sábanas rotas, refrigeradores vacíos que sus amantes les ofrecen, pero si ella acepta, es por la promesa de sueños que no cumplirán y ella lo asume con la alegría de sus propias evasiones.
El personaje Alph(a) se adueña de los espejos, observarse desde cualquier lugar de su casa le permite ver el amor desde diversas perspectivas. Ser ella misma no implica que es libre, pero puede utilizar una crema que es el símbolo de lo que no-es, incluso lo pide en el extranjero, aunque nadie la conozca, entonces comienza a crear su propia pomada que la unta por todo su cuerpo. Regresa a mirarse en el espejo y piensa que esa crema es el de la “permanencia”. Su hijo la mira y exclama “¡Qué linda estás mamá!”
El libro Deseos es un juego entre lo poético y lo caótico-discursivo en el intento de lograr un efecto de desespero de los personajes que narran la historia. La unión de palabras que en apariencias no tienen relación (aquí no hablo de una metáfora sino de un efecto simbólico), construcciones verbales complejas, que aunque en ocasiones oscurecen el texto y se hace difícil la comprensión de determinadas escenas, permiten que los personajes se expresen tal como son.
Cuando Alph(a) habla de sí misma dice que “lloraba por sus muertos y hablaba con ellos antes de acostarse, arrodillada sobre el piso de mármol frío y delante de su cama”.
No podía olvidar que “soñaba con el amigo-maridoextranjero. Se venía, se retorcía cada noche, y cada día y despertaba. Sólo veía su cara: -cuerpo-desaliñado: maloliente. Entonces le picaba la pelvis, adentro y afuera, en el sueño alguna barba saliente abría sus piernas con olores salidos de su boca. –Agonizaba–.”
Pero sabe que su “amigo” no vendrá y debe continuar su viaje donde ha quedado varada, precisa que le carguen un cubo de agua porque ella no puede sola (el personaje retorna una y otra vez a la cotidianeidad), el vecino la observa y entonces “le regalaba unas tazas de café-terapia-orine de la mañana, para aliviar las pestes salidas de su boca. Y él cosería en las noches a la luz de la cera, algunas de sus ropas remordidas y mojadas”.
En el cuento Feromonas, Miss McDillan tiene dinero, pero nadie que le haga el amor. Se pasea por los parques buscando, acechando “Reposa sus frías nalgas de magma ardiente en los mármoles auténticos del Central Park, y seduce a sus venas con trozos de mica pagana”.
Cada hombre que la observa la desea, pero no se acerca, no la seduce sino que la mirada de lujuria le hace desviar su atención: “Finalmente se pierde para reaparecer a los minutos, caminando igual, despacio y animal, hasta que Miss McDillan no vuelve a verle. Ya se habrá masturbado por ahí. Y le repugna el hipócrita pudor de esos pingüinos neoyorquinos”.
Sueña con Mr John, pero no vendrá, lo sueña tocándola, sintiéndola y prefiere tocarse ella misma, porque aunque sabe que puede pagarle a cualquiera, prefiere que la busquen en un banco del parque. Mientras piensa en su destino, en lo que pudiera realizar, espera un amante, tal vez una esperanza de ser feliz, pero no llega, no puede llegar porque McDillan quiere ser libre sin salir a la calle y enfrentarse a la gente, desea que la salven, mas no sabe cómo y: “vuelve a masturbarse derramando scotch, el mejor de todos, en las mejillas de su vulva y grita al forcejear con su orgasmo ¡Dolmancé, Dolmancé! Todo se apaga de repente y llora por el arpón de la soledad que le atraviesa la nuca desde su más tierna infancia, hasta que se duerme con mucha paz, acurrucada entre casas de muñecas, lazos y repostería fina”.
Aunque ella trabaja para aliviar las penas madres asiáticas en desgracia y realiza donaciones de dinero, es solo un trabajo que debe hacer, no es algo que sienta verdaderamente ella prefiere cada noche sentarse en un banco del Central Park en Nueva York en espera de un hombre que no aparece, de la pasión soñada, de la alegría, del deseo, pero no llegará porque Miss McDillan está sola y siempre lo estará.
En Deseos Líquidos la mujer se convierte en un ser que trasciende su realidad para transformarse en sueños irrealizables, en libertades que escapan, en enajenaciones que burlan de la cotidianeidad, alucinaciones, espasmos… Son personajes que odian y aman, para después renacer en un crecer de almas que ya no respirarán.

La Noche de los Libros

2009-07-06T08:22:00.000-07:00

Cada vez la original idea de la Noche de los Libros pierde su esencia: que en una noche escritores y público compartan el universo maravilloso de la literatura, que con la luz de las calles y la nocturnidad se escuche la lectura de un poema o la guitarra de un trovador.
Ahora, la calurosa tarde se apoderó de los stands y la gente caminó presurosa, casi en tropel, por la calle 23, huyéndole al calor, a los lugares cerrados y a los carros que veloces atravesaban la avenida.
Dejó de ser el momento espiritual en el cual, el escritor podía compartir sus textos recientes o inéditos con conocedores o no de su obra, lo importante era el espacio que se habilitaba para una complicidad casi unánime. Dejó de ser el momento espiritual para convertirse en un anonimato doble: el de los intelectuales y el del público.
Es realmente difícil que en una tarde veraniega y con un sol tan fuerte se pueda atender la lectura de poesía en un local cerrado como el G Café. La reconocida escritora Basilia Papamasteú festejaba allí un año más de la creación de su espacio Aire de Luz, en el cual estaban invitados poetas como Lina de Feria, Domingo Alfonso, José Luis Moreno, Martínez Sobrino.
El calor era insoportable, y en efecto, ningún joven atendía a lo que se estaba leyendo. Se conversaba de cualquier tema menos el de la literatura. Basilia exigió y rogó por el silencio de los presentes, pues era la oportunidad de escuchar a poetas imprescindibles en el quehacer contemporáneo, pero nunca lograron captar la atención de nadie. Se sucedieron poema tras poema sin atención, sin aplausos, sin preguntas a los intelectuales, solo primaban la gritería de los reunidos en el G Café.
Cerca del lugar, la poca gente que desde las 2 de la tarde estaba allí, iba con sus hijos a comprar libros de colorear o a tomar helados, pero nadie se detenía en las lecturas que se realizaron en esos momentos.
En la calle 23 y 4 se realizó un conversatorio sobre la vida y obra del Poeta Nacional Nicolás Guillén, donde se pudo escuchar su voz recitando su poesía y se conocieron datos interesantes sobre su vida. Las personas pasaban con indiferencia como si no sucediera nada importante.
Más tarde, después de las 5 de la tarde, las jóvenes escritoras Dazra Novak y Evelyn Pérez leyeron sus textos ganadores del Premio David 2007 y del Premio UNEAC 2008 respectivamente, solo con la atención de sus amigos y familiares, porque no se sabía quiénes eran esas “muchachitas con esa ropa extraña” ni había interés por comprobarlo, porque entre el calor y los locales no habilitados para soportar la temperatura conspiraban contra un supuesto auditorio.
Las acciones del grupo La Colmenita en los cinco parques de la calle 23 estuvieron marcadas por la sensibilidad, el buen gusto, las risas, las canciones que hicieron pasar un rato agradable a los más pequeños, que contrastó con la poca atención que recibieron los trovadores Eduardo Sosa y Yolo Bonilla.
La Noche de los Libros no debería ser en horas de la tarde por las altas temperaturas y los locales que no pueden están climatizados pues son en la calle, otro factor es que aun los trabajadores no han terminado de laborar y cuando salen se dirigen a sus casas, no se quedan en la actividad literaria.
Además, los escritores comenzarán a no desear participar en el evento si nadie les presta atención, y por otra parte se necesita más promoción a sus obras, más participación en los medios de comunicación para que el público conozca quiénes son y de qué se trata realmente la Noche de los Libros.

Tras el diario de Eva y sus figuraciones

2009-04-16T21:32:00.000-07:00

La novel poeta pinareña Yanelys Encinosa (Premio David de poesía 2007) ha apostado con Del diario de Eva y otras prehistorias (Editorial UNION) por develar su propia visión sobre la historia del personaje bíblico y una reflexión particular sobre el ser.
Encinosa capta los conflictos descubiertos en las supuestas páginas personales de la mujer de Adán y las retrotrae a la contemporaneidad a través de una metáfora clara y depurada.
En su poema Génesis nos declara que: “Tus manos temblaron al conjurar el polvo/ dolor de conocer los futuros extravíos/ apostaste por mi libertad y la semejanza/ en mí/ la mayor dignidad/ ostentar tu amor/ tras las consecuencias”.
Es decir, sigue la huella de desesperación y angustia dejada al infinito y lo hace suyo: “Dios conoció mi insomnio/ sonrió como si esperara desde siempre mi necesidad/ exhalé agradecida/ vi todo cuanto había hecho/ es bueno”.
El texto Martirio, comparte la suerte de poeta en la piel de Eva y se interroga sobre la relación entre el cuerpo y el alma, de la muerte y la vida, de la pasión y la razón, de sufrir y vivir…
La escritora ve el naufragio como lo necesario para poder salir a la luz, prefiere caer una y otra vez al abismo para encontrar lo que puede ser redimido: el universo, el arte y el amor.
Reconoce la (de)semejanza entre el hombre y la mujer, no con desilusión o como un error en la Creación sino en la posibilidad de la trascendencia, de la ocurrencia verbal, en fin, de lo impertérrito.
En los versos El triunfo se asume la culpa de sus equívocos y lo relaciona con la justicia como un aliento de vida “en la inocencia nacida de mi vientre/ se restauró la gloria que habíamos perdido”.
Exige Desnombrar las cosas parafraseando el poema del intelectual cubano Eliseo Diego, pues lo que tiene significado en el silencio es el tiempo y el espacio como “el grito de desnudar el nombre” y su negación es “el pecado de omisión ante el elogio rotundo al disparate”.
No confía en los disfraces, pues todo conduce de forma sublime “del anonimato o la estridencia al escándalo de las vestiduras”. Prefiere la sinceridad y sencillez del discurso del escritor de Orígenes, es decir “examinar sus vísceras/ para renombrarlas/ en nuevos/ verdaderos/ nombres”.
Encinosa siente el peso de la isla, se evapora en ese territorio que la contiene y retiene del aislamiento, porque la isla es “tierra firme” y los espejos que ella observa desde sus puertas y ventanas son mudas de piel, son aguas “que fluyen hacia adentro”.
La nostalgia la consume en la luz y la abraza “el ente del contén/ centro de la periferia/ deudor del (a)islamiento”, porque sin lugar a dudas, “seguimos siendo el mismo río/océano/ delineamos los contornos/ los entornos/ los contrastes” (Isla).
Ante la pregunta de cómo enfrentar la página en blanco responde: con “el arpegio/ el grito/ la vena/la redondez imprecisa” (Palabra).
La poeta acude a su sueños e insomnios para recordar que para encontrar la “definición mejor de la palabra “habrá que “aprender su vuelo/ disparar el arco/ perseguirla en todas direcciones”.
Pero en la búsqueda se fatiga, se adosan los desvaríos, solloza, duerme, olvida, quema las páginas que no deben ser leídas a destiempo porque “entonces rendido poeta/ podrás festejar el premio/ pertenecerle”.
Le preocupa el dolor de los eternos inconformes con la vida y les propone: “puedes pensar que bordeándolo/ te librarás del tropiezo/ o dolerá menos el golpe” (Ante la pitia).
Se puede creer que los adivinos vendrán para solucionar el destino, pero en ocasiones a ellos mismos les acude la angustia y la desazón del futuro. “el milagro o el descalabro/ le agobia/ el augurio de sí/ de su destino/ de previsor perpetuo”.
Entonces, prefiere los que deciden recorrer su propio camino y afirma que “caminante/ puedes enfrentarle/ y robarle su alucinado vacío/ extirparle su insomnio”.
Al final, Encinosa da una respuesta filosófica a las inquietudes de Del Diario de Eva y otras prehistorias. En su poesía Ontología define su manera de pensar y la posible relación entre el caos y la vida, es capaz de ceder su costilla para dar “ese salto contrarreloj en busca de la gran solución ontológica”.
Lo eterno o la nada, la vida o la muerte, el ser o el no ser son cuestiones que para la poeta no son divergentes sino bifurcaciones, la necesidad de la refutación del tiempo y del espacio como criterio absoluto: “y allí/ viéndote/ erguirte ante mí/ entre mis soluciones filosóficas/ tú serías/ la mejor respuesta”, es decir el hombre y la vida.

Rogelio Orizondo: El universo de individualidades

2009-04-16T21:26:00.000-07:00

Los miedos, los prejuicios, el amor y la muerte forman parte indisoluble de las circunstancias de vida de los tres personajes femeninos creados por el joven escritor villaclareño Rogelio Orizondo, ganador del Premio David 2007, con la obra teatral Vacas (Ediciones UNION).
Son tres personajes que se entremezclan y alejan a partir de sus pensamientos, acciones y creencias. Orizondo realiza un giro técnico provocador: no solo los personajes influyen sobre ellos mismos, sino que las acciones externas que (supuestamente) transcurren en su vida cotidiana se fusionan con la toma de sus decisiones.
Estas decisiones están marcadas por la violencia no solo física sino mentales a las cuales se ven sometidas tanto Liuba, Eva como Betina, aunque de manera paradójica son capaces de aprovechar esta violencia para sus fines ocultos, sin tapujos.
El triángulo amoroso lésbico no transcurre por lo caminos trillados de la sexualidad superflua, sino que los conflictos y los puntos de giro de la trama viajan a través de reflexiones y dudas que trascienden el mero hecho de lo carnal, para introducirse en los fenómenos y las problemáticas universales.
Al autor le preocupan más los destinos del ser, la pasión poética por lo prohibido, las insatisfacciones y la angustia que las caricias falsas y la lascivia.
Vacas va auto-generándose en la historia a medida en que los puntos de giro dramáticos permiten que los temas parezcan círculos interminables de la naturaleza humana.
En efecto, la obra seduce y sorprende porque la estrategia discursiva del autor de fusionar los aspectos externos de los personajes (es decir, su vida laboral, su interacción con los otros y los que los otros piensan de ellos) con los propiamente internos (el triángulo amoroso), asegura la efectividad de lo dicho, y sin dudas deja una pregunta al aire: ¿Todos tendremos que separarnos de la gente que amamos para perseguir nuestro destino?
Liuba añora viajar a Rusia, donde nació su madre, no importa lo que tenga que dejar atrás. Su angustia es el amor, sus obsesiones y la monotonía de la cotidianeidad, pero se sobrepone en la medida en que su sueño se va haciendo realidad. Su maleta “es la misma con la que vine de casa de mi madre (…) quería que tuviera mi olor, no el suyo, por eso empecé a llenarla con vestidos (…) esperando cubrir mi cuerpo en el lugar donde saldré adelante”.
Eva, su pareja, significa para ella el imposible, la muerte por asfixia, pero no puede dejar de amarla, la seduce la manera de crear su propio mundo sin prejuicios ni ataduras y de pensar diferente a como piensan los que la rodean.
Por eso decide ir en busca de alguien que comprenda y pueda defender este espíritu quijotesco: Surge el personaje de Betina para en un primer momento aumentar el conflicto dramático, y después fluir naturalmente dentro de la historia.
Los personajes viven en una crisis permanente: Liuba desear respirar otra realidad, Eva cambiarla y Betina ser feliz a toda costa.
Orizondo logra cambiar el punto de vista del lector y dar un salto cualitativo en lo narrado; primero participamos como observadores pasivos de una puesta en escena, para luego ser testigos activos de los sucedános que no pueden pasar desapercibidos porque de alguna manera somos parte de esa realidad que las tres mujeres intentan construir.
Betina se nos presenta temerosa, golpeada y asediada por la gente con la que tiene que convivir: las cantantes y los guardias de un cabaret. No solo está enajenada sino que se culpa por dormir en las calles. Cuando se encuentra con Liuba y Eva, no sabe a cuál de las dos amar, aunque intuye que la pareja debe separarse: “Tendré que volver al banco. Aunque lo extraño. Me botará como a una perra. Volverán a discutir por mi culpa. Es mejor que me vaya, Liuba se molestará”. Pero no se marcha, las tres se sientan a la mesa y descubren sus pensamientos sobre cada una.
Este es uno de los momentos más logrados de la obra porq ue si bien Liuba critica la forma de vida de Eva, esta se defiende al dominar lo que sucede a través de la violencia verbal:
“Liuba. Anoche dormiste mal, volviste a tener pesadillas.
Eva. Sí
Liuba. Con qué
Eva mira Betina
Eva. Con las vacas
Liuba. Estabas húmeda, pensé que te habías orinado, y tuve miedo, pero no era orine, no.
Eva. Puedes callarte”
Betina que no sabe qué hacer con su vida casi siempre muestra su frustración sobre su futuro. Lo que significa para ella vivir toda su vida haciendo lo que otros desean sin ver llegar su sueño: “Me gustaría cantar en el cabaret, pero para eso tengo que ponerme un diente. Si me pongo el diente que me falta, me dejarán cantar”.
Para Alberto Sarraín, quien fuera el prologador de Vacas: “Cada una de ellas tiene circunstancias distintas, objetivos distintos, luchas distintas. Cada una de ellas vive en los márgenes de un mundo del que no participan. El arte, la maternidad y la emigración, son terrenos lejanos que devienen en obsesiones. Asediadas por la muerte, la vida, con su olor a sangre, fluye entre los personajes y les da un terreno común desde donde se alza el súper objetivo de la obra: el cambio.
Ahora bien, este cambio es creíble cuando Liuba decide su salida hacia Rusia, pues apuesta por un mundo diferente para realizar su vida, pero no es así en la relación entre Eva y Betina. Este intento de seducción violenta a través de un recurso, diría yo, humorístico, folletinesco no refleja con claridad el estado psicológico real de los personajes. Orizondo pierde de vista la evolución de la nueva pareja que se dirige hacia el universo de individualidades, prefieren enfrentarse al egoísmo y a los rencores con el poder de la verdad en la palabra y en las acciones.
Es decir, no concuerdan el nivel intelectual ya alcanzado por estos dos personajes, con la reacción de sexualidad violenta (a todas luces ficticia) exacerbada de forma repentina. Quizás, la mesura y la pasión de los cuerpos fuera un mejor recurso en el intento de mostrar la unidad y el cambio.
No obstante, Vacas es un nuevo y plausible gesto del novísimo teatro cubano en la búsqueda de una expresión propia, madura y experimental. Orizondo desafía no solo con la manera de tratar la temática lésbica sino de abordar la convulsa realidad contemporánea.

Waldo Leyva y su adagio remoto

2009-01-09T09:12:00.000-08:00

El discurso poético de Waldo Leyva ha sido la indagación constante sobre el ser y su devenir en el espacio y el tiempo. Su último libro Remoto Adagio refleja las tempestades, aventuras y enajenaciones del hombre moderno, apropiándose de una práctica poética desafiante: el soneto.
Leyva le preocupa el horizonte del hombre, disfruta del azar como necesidad vital y de las circunstancias que fijan las esencias humanas. En su poema No siempre el horizonte reflexiona: Yo no busco las cosas, las encuentro,/ me gusta esa sorpresa de estar vivo./Todo aquello que toco queda dentro/ y a nada que es humano soy esquivo.
En los últimos versos agrega: Quien sólo tiene un rumbo, una frontera,/ un lugar donde acaba o donde empieza,/ ignorará lo intenso del placer/ que resulta encontrar. Qué pobre fuera/ vivir sin sobresaltos; qué torpeza.
En el texto Viene un olor a veces, el poeta identifica el devenir con lo agónico, con la desesperación y lo relaciona con lo onírico y lo sensitivo: Transcurrirán los días y los años,/ me acercaré al final por algún rumbo/ que desconozco ahora, sin embargo,/ si volviera a empezar, estoy seguro/ que tendría de nuevo el mismo paso/ y los ojos iguales para un mundo,/ que tal vez no será, pero que busco.
La vinculación entre lo onírico y lo sensitivo es un recurso que Waldo reduce a sus reminiscencias de la niñez, en el cual asocia lo estético-figurativo (la imagen abstracta de un recuerdo, por ejemplo) con lo psicológico (el resultado de viajar una y otra vez del pasado al presente en busca de su identidad como ser que siente y piensa): Primero fue un olor, después el pecho hueco,/ luego de cerrar los ojos y el murmullo del agua;/ y así volver, sin ruido, a un día del recuerdo,/ bajo un alto naranjo, donde una niña estaba/ iniciando desnuda la lluvia con su cuerpo,/ mientras el sol caía y la tarde mojada/ era un oro intocable naciendo de su pelo.(Sinestesia I)
En el prólogo a Remoto… el intelectual Keith Ellis asegura que uno de los aportes a la poética cubana contemporánea de Leyva es el tratamiento del amor como una experiencia no vivida porque es ”un amor sin distancia que convalida la existencia diaria y sin los extremos irreconciliables de los placeres que deleitan y los pesares que atormentan”.
Los amantes agonizan en un mundo no corporal, y se niegan a destruir las circunstancias en que viven: sin heridas y sin porvenir se añoran, pero no se besan: Fue hermosa/ de eso no tengo duda, aunque la Rosa/ tal vez no fuese flor, sino poesía./ Mi destino es así, ya lo sabía, no sé por qué debió ser otra cosa. (Rosa Virtual)
En efecto, aparece una idea de lo fatal en el poeta que lo persigue e intenta cuestionarse su existencia tanto en el espacio como en el tiempo: No quiero, se los juro, hallar las claves,/ prefiero sospechar que cuando vuele/ regresa mi paloma a esa remota/ región de lo que fue, de donde brota/ la memoria de u tiempo que me duele. (La luz y el ave).
La necesidad de visualizar diversas expresiones del olvido y la distancia como parte indisoluble de su pensamiento forma parte del discurso poético de Leyva. La autocreación (autopoiesis), que José Lezama Lima identificó como el imago en su constante fuga de lo real hacia lo poético, desborda en lo ilusorio, anuncia un nuevo destino en el yo poético que lo trasciende.
Su existencia –yo diría que un desasosiego entre el ser y el no ser- se presenta desafiante y perdurable ante situaciones, en las cuales, amantes y amistades se traicionan de forma inevitable, aunque su concepto sobre “olvido y distancia” se extiende a un universo de relaciones con las cosas y los fenómenos.
Esta agonía –con esperanzas en un hombre más seguro en sus pensamientos y acciones- de perecer sin espacio ni tiempo es compensada con la fijeza en la Naturaleza. Uno de los momentos más logrados por el autor de La distancia y el tiempo (2002) Ediciones Unión, es cuando la desesperación de lo por-venir dialoga con el niño que fue, con los recuerdos de una etapa en que los árboles, la hierba y los animales tenían un significado de libertad y paz, e incluso llega a identificar a los peces con el horizonte y su futuro.
El texto Remoto… está dividido en seis secciones en las cuales juega con los temas y con las diversas maneras de hacer el soneto que va desde el octosílabo, el endecasílabo hasta el alejandrino sin rima: En la primera El caminante, el peregrino bosqueja sus desacuerdos, sus inquietudes y sueños del hombre contemporáneo. En su poema Tempestad asevera en sus dos versos finales: en tu doble agonía de partir y quedarte/ sin que exista un espacio donde puedas estar.
Sin dudas, el texto más maduro y pulido es Noche irremediable por la sutileza de los versos, la seducción verbal sin acudir a excesos técnicos, solo se escucha la voz del poeta dialogando con lo infinito: Cuando vuelva la noche irremediable/ hablaré con mi rostro en el dibujo y será su silencio más locuaz/ que todo lo que he escrito. Si me es dable/ llegar al porvenir que me sedujo/ convertiré en tangible lo fugaz.
Atención especial merece la última sección titulada Como un eco de sí mismo y en especial dos poemas bien estructurados y con claridad en el discurso: La luz y el ave y Quemando un poco la sombra.
En La luz… el juego entre la paloma y el sueño conforman la memoria poética del autor y lo definen como ser inconforme con su quehacer, pero prefiere el misterio de la vida y el azar que se funde con el dolor y la penumbra: El alba me sorprende desvelado/ sospechando que el canto es una broma,/ que no hay ave ni luz, que alguien retoma/ el gusto de jugar que yo he olvidado.
Quemando… añade a los conceptos de olvido y la soledad que aparecen en el poema anterior, la esperanza de no volver al pasado que identifica como la nostalgia y los temores. Precisa de un fuego que consuma las sombras para que resurja el porvenir: La llama, entre lo oscuro, se sostiene/ en una resistencia casi ambigua,/ mientras triunfa la noche, y se apacigua/ las casa, que en silencio se mantiene.
Waldo Leyva, en sus palabras de introducción al volumen ha declarado que ha reunido sonetos inéditos y algunos que denomina como ocasionales “porque son hijos de esa circunstancia” y los ofrece al lector como una “aventura del riesgo, en una suerte de armónico desorden”.

La revolución inadvertida del hombre

2009-01-02T10:20:00.000-08:00

¿Cuál es el significado de que los hombres se dirigen hacia un nuevo saber o comprensión del mundo? ¿Por qué vivimos en una revolución inadvertida de la ciencia y la tecnología con respecto a la vida cotidiana? Fueron algunas de las interrogantes que me asaltaron mientras leía el texto Hacia un nuevo saber: La bioética en la revolución contemporánea del saber del Doctor en Ciencias Filosóficas Carlos Delgado, quien no solo recibió el premio Iberoamericano de Ética Elena Gil 2005 sino que ha presentado una visión y propuesta originales sobre estos problemas que más allá de ser cuestiones puramente teóricas son reflexiones dirigidas hacia la realidad del quehacer diario de los individuos.
¿Cómo se puede comprender que nos estamos dirigiendo hacia un nuevo saber?
El siglo XX fue importante por los cambios en la tecnología, en la vida práctica y otras áreas del conocimiento que pasaron rápidamente a la vida cotidiana como la manera de organizar las ciudades y sus edificaciones, la conformación de la familia, de la escuela, entre otras.
Es decir, la tecnología es un proceso modificador del lugar del conocimiento en la vida social, por lo cual yo formulé en el 2001 una hipótesis alrededor del tema denominado como del nuevo saber.
No solo estamos cambiando el modo de aprehensión del mundo y las formas de ese conocimiento sino que estamos arribando a un modo diferente de comprender la dinámica de las sociedades contemporáneas y las interrelaciones con su entorno. Este resultado que visualicé como “nuevo saber” ha sido posible a través de un conjunto de transformaciones en cuatro disciplinas que vinculan los problemas del valor, la ética y el conocimiento.
La bioética, que es la búsqueda de una sabiduría para sobrevivir, se enlaza con el movimiento ambiental y la ecología profunda que plantean la necesidad de la preocupación por la naturaleza, no por su utilidad para el sujeto sino por el propio valor de la naturaleza. Los otros dos movimientos son la epistemología de segundo orden y las ideas sobre la complejidad del mundo.
La epistemología (teoría del conocimiento) sitúa al sujeto en un contexto en el proceso de búsqueda de la verdad, es decir aparece una nueva perspectiva en la investigación entre lo que se observa y el observador relacionado con los sentimientos y valores del sujeto.
Las ideas sobre la complejidad son una reflexión sobre los cambios producidos en el conocimiento científico en el caso de la física, la química, la matemática y las ciencias sociales que afirman, a diferencia de las teorías clásicas anteriores, las múltiples interacciones de un fenómeno y su no finalidad en el tiempo.
Sin dudas, estas disciplinas rompen con las tradicionales y llevan el análisis hacia una nueva dimensión en las relaciones entre el hombre, la naturaleza y el conocimiento.
¿Estas disciplinas entran en usted denomina como revolución inadvertida?
Es inadvertida la revolución aunque esté por todas partes, al menos esa es mi tesis. Lees un texto sobre la complejidad y la palabra bioética no está ni siquiera mencionada, pero existen elementos en común en cuanto a su visión sobre el conocimiento, valoración y eticidad.
Es decir, falta diálogo entre las especialidades. La ciencia que emanó de la modernidad tiende a la especialización, pero tiene un defecto fundamental: la especialización degenera en hiperespecialización y se pierde la perspectiva de la totalidad. Hoy no podemos darnos ese lujo porque los avatares actuales de la humanidad reclaman de una perspectiva global. Te hablé de cuatro teorías, pero pueden haber muchas más que estén trabajando en la misma dirección, pero como formo parte de esta comunidad de la revolución inadvertida no las conozco.
¿Qué importancia tiene para la cultura adquirir un pensamiento complejo?
Las nociones de complejidad se abren a un infinito de interpretaciones humanas porque nos permiten captar cosas que antes, encerrados en nuestros propios dominios, no podíamos ver. Si bien las nociones del arte anterior estaban centradas en la obra como resultado de un proceso, ahora se traslada hacia el proceso mismo, donde lo importante es el recorrido para comprender la naturaleza artística.
Por otra parte está el aspecto tecnológico como la aparición del INTERNET o del correo electrónico no visto como un fenómeno alejado del individuo, sino en el cual él está totalmente inmerso en la tecnología y ya no puede realizar la satisfacción de sus necesidades sin depender de lo tecnológico, porque cada vez se realiza de manera más intensa un diálogo con la tecnología.
¿Existe contradicción entre la cotidianeidad, el conocimiento, los modos de vivir y la reproducción de la vida?
Existen contradicciones en la medida en que aparezca una relación permanente con la naturaleza, en la cual se destruyen las bases biológicas de la vida. El conocimiento que hemos producido desde la modernidad hasta nuestros días es cada vez más destructivo.
Los avances en la ciencia y la tecnología tienen mucho que ver con la cotidianeidad de las personas y sus consecuencias se palpan en la modificación de determinadas creencias, costumbres y modos de vivir de las personas.
Por ejemplo los modos de comprender el proceso de enseñanza en las universidades están en crisis en la medida en que la formación de un profesional se dirige hacia la especialización, pero el egresado se enfrenta con que la perspectiva de su trabajo muchas veces se ha transformado y por tanto si no se le brinda al alumno un tipo de flexibilidad que le permita reincorporarse al proceso productivo debe empezar de nuevo. Una cosa es que comience a adquirir habilidades profesionales y otra que modifique y adquiera nuevos conocimientos de manera expedita.
En el campo de la vida cotidiana nos percatamos de lo que significa la inserción de un dispositivo tecnológico de manera abrupta en un núcleo familiar, cuando las personas mayores dicen “no lo voy a usar porque lo puedo romper”.
Lo que conforma lo cotidiano es generalmente lo conocido y cuando el nieto inserta una computadora de última generación en el hogar, el abuelo se distancia pues le provoca temor y surgen determinados conflictos de intereses e incluso sentimentales.
Ahora bien, los plazos entre la introducción de un avance y otro se acortan, entonces una reproductora comprada para satisfacer una necesidad como es la de escuchar música, puede que al cabo de un tiempo relativamente corto desaparezca y entonces debo estar preparado para ese otro avance porque si no ya no puedo escuchar música, el ejemplo es el disco de acetato y el disco compacto.
Creo que estas contradicciones poseen un valor importante en la sociedad, pues algunas costumbres habrá que modificarlas, pero otras pondrán frenos a desvíos tecnológicos que van por el camino de la destrucción de la especie.
¿De alguna manera la teoría de Carlos Marx sobre el trabajo entra en crisis?
Una de las teorías más vitales del siglo XIX y que nos llegan al presente es la de Marx. Mientras exista capitalismo su estudio tendrá vigencia porque lo explica muy bien. Su propuesta del determinismo dialéctico, la comprensión de la determinación y su análisis de los modos de funcionamiento de la sociedad capitalista son todavía aprovechables, aunque hay elementos que hay que reconsiderar.
Para Marx, el tema ambiental no era para él ni para la sociedad en la cual vivió un problema reconocido. En su teoría del trabajo como fuente de valor cae en una lógica en la que la naturaleza es infinita; hoy sabemos que no es así.
La tesis marxista que establece un vínculo entre la producción material y la satisfacción de lasa necesidades sabemos que no es exacta. No podemos pensar en una sociedad futura en la que sean satisfechas todas las necesidades, eso es imposible porque la naturaleza tiene límites.
Hablo, sin embargo, de la necesidad de estudiar sus propuestas de nuevo. Si me preguntaras si Marx tiene compatibilidad con las ideas de la complejidad yo te diría que te leyeras El 18 Brumario de Luis Bonaparte para encontrarse con una obra de pensamiento complejo. Es una obra donde el futuro no está dado de antemano sino que está mediado por una cantidad de interacciones que él las fue recorriendo. Es una obra extraordinaria, enigmática y metafórica, en la cual intenta recorrer la dinámica de los procesos reales y eso es lo que debemos rescatar. En ese sentido no hay que revisar las posturas marxistas sino que tenemos que volverlas a estudiar y aplicarlas sin dogmatismos en nuestro contexto.

Martí: pintor de la luz

2008-12-30T08:27:00.000-08:00

José Martí (1853-1895), como hombre universal y de una visión clara de sus circunstancias, intentó pintar el mundo a través de su metáfora encarnada en la prosa y la poesía. Al acercarnos a sus páginas, descubrimos la apropiación de técnicas de la plástica para reflejar y analizar la realidad compleja y moderna que vivió. La lectura de sus textos provoca un extraño pero seductor diálogo con su original concepto de Luz (pierde su categoría de fenómeno físico y trasciende hacia el amor y la libertad), en el cual se apropia de un estilo en que “lo expresionista y lo impresionista” (corrientes pictóricas del siglo XIX) se funden con la imagen y el verso pulido para crear otro espacio y tiempo.
Profesor emérito de la Universidad de Illinois en los Estados Unidos, Iván Shulman ha investigado durante más de cuatro décadas la vida y obra de Martí, y en estos momentos se encuentra culminando el libro “Pintando el modernismo” sobre la vinculación de las artes plásticas en esta corriente literaria latinoamericana y en especial del Apóstol.
La interrelación que realiza el autor de Abdala entre lo político y lo social junto a esta manera tan peculiar y extraordinaria de expresión ― influyó en muchos intelectuales del principios del siglo XX ― es una tesis que decidió compartir en Cuba con los participantes en el recién finalizado coloquio por los 400 años de la literatura cubana celebrado en Instituto de Literatura y Lingüística de la capital.
¿Por qué su interés por los escritores cubanos?
“Soy especialista en la literatura hispanoamericana y he escrito bastante sobre temas cubanos. Junto a dos o tres críticos de mi cátedra hemos ayudado a rectificar el concepto del modernismo, su cronología, y por supuesto la figura de Martí tiene importancia porque es junto al escritor mexicano Gutiérrez Nájera uno de los iniciadores de esta corriente”.
“Otro elemento que me interesa de la literatura cubana es lo que denomino como exorcismos sociales. Cuando Cuba era colonia de España aparecieron textos en los cuales uno puede observar un subtexto, es decir el exorcismo es una necesidad de presentar temas que no se pueden tratar, es una necesidad de hablar de ciertas cuestiones como la esclavitud y la independencia que en aquellos momentos no se podían decir abiertamente, pero eran un problema que afectaba a todos. He realizado estudios, por ejemplo, sobre el Espejo de Paciencia en los que ese subtexto, en ocasiones, no se ha analizado bien y es el que revela hasta qué punto el autor (que vive tan lejos de La Habana) tenía en el momento de escribir un concepto de Cuba como nación”.
El profesor Shulman, quien fuera coautor del libro “El esquema político de Martí” (1961), le preocupan el acercamiento del Apóstol a los temas sociales, políticos y filosóficos porque al poseer una capacidad para observar las raíces de los problemas como las crónicas sobre la campaña presidencial en los Estados Unidos o sobre la casi exterminación de las tribus aborígenes de ese país, no solo los reflejaba como un verdadero artista de la plástica, sino que se puede adquirir una verdadera dimensión histórica de esos momentos.
Diría el Apóstol en una de sus crónicas en Nueva York sobre el voto en Norteamérica: “De la libertad como de la virtud, está casi vedado hablar, por ser tantos lo que las profanan que quien las ama de veras tiene miedo de ser confundido por ellos: y hasta de mal gusto está pareciendo ser honrado”.
En el autor de los Versos Sencillos la interiorización de lo pictórico se manifiesta bajo los signos de lo individual, que de alguna manera se refleja en las intuiciones de la poesía. Tal vez esa individualidad tenga su máxima expresión en la voluntad y sacrificio humano para lograr la Belleza y la Libertad.
Con este concepto integra la Naturaleza con el Arte a medida que busca su plenitud de espíritu que se expande a través de la luz hecha imagen. Busca la validez de lo universal, pero retorna como un modernista influenciado por el romanticismo a la singularidad de las cosas.
El Apóstol precisa del Homagno para su trascendencia y lo prefigura con versos que son iluminaciones: ¿Por qué, por qué, cargar en ellos/ Un grano ruin del alpiste mal trojado/ Talló el Creador mis colosales hombros?/ Ando, pregunto, ruinas y cimientos/ Vuelvo y sacudo, a delirantes sorbos/ En la Creación, la madre de mil pechos,/ Las fuentes todas de la vida aspiro./
Ante la forma original en la cual se mezcla la espiritualidad y la metáfora martiana con lo político y lo social, preguntamos al profesor Shulman —quien visitó Cuba por vez primera en 1971 para realizar una edición crítica de los Versos Libres — ¿Cuál es su criterio sobre el aporte del escritor del ensayo “Nuestra América” a la literatura hispanoamericana?:
“Entre los escritores modernistas es uno de los primeros y de los más importantes. Por ejemplo, su novela Lucía Jerez es romántica, pero es importante porque revela un conocimiento extraordinario del mundo moderno, del caos y de los problemas de las sociedades modernas. Creo que el texto no se ha leído con atención, pero tiene una vigencia descomunal que influyó después en la obra de Rubén Darío, por ejemplo”.
“Ahora, si me preguntas si su obra se lee en el mundo te respondería que son pocos lectores de poesía y más los que miran la TV. Por otra parte, sus escritos molestan porque posee un concepto muy profundo y diferente de muchos intelectuales y políticos sobre la ética y la moral de la vida. Creo que su obra disgusta a “cierta” gente y prefieren no publicarlo. Hace falta aumentar la ediciones críticas sobre José Martí para que le llegue su pensamiento a mayor cantidad de personas”.
¿Cuál es el concepto de Martí sobre la metáfora?
“Martí escribe constantemente en metáforas. En Lucía Jerez, además, hace prosa como si fuera un pintor. José Martí intenta transpolar técnicas de la pintura a la prosa. Es un pintor más que un escritor”.
En el poema Yugo y Estrella, la “estrella que ilumina y mata” es para el Apóstol el simbolismo de la pureza y de nuestra libertad. Es un visionario porque lo cubano trasciende hacia lo universal, el concepto de Luz es la patria y también la humanidad. Esta, que alumbra y mata, es una estrella:/ Como riega luz, los pecadores/ Huyen de quien la lleva, y en la vida,/ Cual un monstruo de crímenes cargado,/ Todo el que lleva luz, se queda solo (…) Dame el yugo, oh mi madre, de manera/ Que puesto en él de pie, luzca en mi frente/ Mejor la estrella que ilumina y mata.
Ante la pregunta realizada al profesor Iván Shulman sobre su especial interés en relacionar el arte con la política aseguró que:
El arte no surge de la nada, Martí lo dijo “nadie se libra de su tiempo”. Muchos se olvidan de eso y olvidan que los textos nacen no solo del talento, la imaginación y originalidad del artista, sino que están vinculados a su época y a la problemática de su tiempo, y aquí sin dudas hay que mencionar a José Martí como artífice de una prosa luminosa comprometida con sus circunstancias.

La incesante temporalidad de Lezama

2008-11-20T08:22:00.000-08:00

Cuando se presentaron los volúmenes Mi correspondencia con Lezama, de José Rodríguez Feo, y Lezama sin pedir permiso, de Reynaldo González, con el objetivo de recordar al prominente escritor del Siglo XX cubano y autor de Paradiso, uno de los mayores legados de las letras iberoamericanas.

Y cuando leí algunas de las páginas de estos libros pude corroborar la opinión de muchos especialistas que coinciden al afirmar que en la obra poética de José Lezama Lima (1910-1976) confluye el pensamiento universal, es decir la unión entre las ciencias naturales y las sociales, para conformar un cuerpo metafórico.

Para el escritor de Aventuras Sigilosas, por ejemplo, la preocupación por el espacio y el tiempo no era solo una cuestión puramente literaria, sino que atañía también a las leyes de la Física y las Matemáticas, y a la relación de estas con la poesía y la naturaleza. De ahí la enigmática y escabrosa grandeza de su obra lírica, tal como puede apreciarse en muchos de sus poemas, como en este titulado Danza de la Jerigonza: Cinco, detiene el método donde la semilla asciende/ hasta el espíritu devuelto después de peligrosa interrupción./ Tetra, vuelve otra vez a enseñar el retrato, su distinción.

A su mundo poético algunos críticos lo han denominado como “la filosofía de las figuraciones” aludiendo a su interés por insertar en la literatura ideas básicamente inherentes a la Geometría (en directa alusión a su concepción de la vida como un círculo cerrado).

Generalmente, cuando un lector se enfrenta a algunas de las obras de Lezama asume el desafío —casi siempre exigente— de realizar lecturas o consultas que están fuera del universo literario que pretende interiorizar. Y el autor lo hace con la sabia intención de que quien lo lee esté tentado, a la vez, a ampliar su visión del mundo, o aprovechar al máximo “el poder físico de las palabras”.

De tal manera, el eminente intelectual nos dirige, mediante la palabra impresa, hacia una nueva dimensión, en la cual la historia humana está “en el futuro impredecible”, dentro del espacio y el tiempo; y los hechos no son dados de antemano, sino que están en constante construcción.

En esa compleja habilidad para hacer que la poesía y la naturaleza sean entidades que se transforman a sí mismas radica buena parte de lo más sublime de su creación literaria. Teoría explícitamente expuesta en su Diario: “Podemos seguir pensando en la continuidad misteriosa. Discontinuidad aparente: enlace difícil de las imágenes”.

Para el también autor de La fijeza, el problema del texto literario no se centra precisamente en la poética del discurso, sino que asume su construcción desde una perspectiva compleja, con un método de pensamiento propio, en el cual el receptor se pregunta una y otra vez: ¿Qué es lo exterior en el hombre?/ ¿Por qué nace, por qué nace en nosotros el ser?

En el texto Danza… se analiza la relación entre los individuos y la naturaleza: La gota fría está en mi cara al empezar./ Alguien me mira fijo y me avergüenzo./ Vuelvo a mirar, me está mirando/ ¿Tengo que penetrar al baile de los otros en el compás adulterado?

Para muchos lectores, entre ellos no pocos experimentados y cultos, resulta espinoso interiorizar fácilmente la producción literaria de Lezama, porque para el célebre escritor el mundo no está detenido en el espacio ni en el tiempo, es una realidad llena de interacciones, en la cual influyen el azar y el devenir representados a partir de tres principios más allá de lo literario: el dialógico (a lo contradictorio no debe seguir su eliminación), la autocreación (lo metafórico es eterno) y la relación entre el todo y la parte.

Único e irrepetible, Lezama logra armar todo un sistema filosófico-poético que debemos aprender a descifrar y a disfrutar. Ese reto igualmente corresponde a los más jóvenes, en cuya formación cultural no debe faltar el conocimiento de esta poesía compleja y trabajosa, audaz y delicada. A través de la obra del gran maestro, se engrandecen las sensibilidades humanas y la comprensión de los fenómenos naturales, lírico entretejido del que renace una nueva realidad.

Guía de foto: Cultura/Fotos/Lezama Lima

Aquelarre: ¿Humor en serio?

2008-07-17T11:53:00.000-07:00

Aquelarre: ¿Humor en serio?

Giovanni Fernández Valdés

Es una realidad que en cada edición del Festival Aquelarre no solo concurren personas ávidas del buen humor cubano, también es la oportunidad de observar en la escena a talentosos humoristas de todo el país y conocer sus nuevas propuestas y experimentaciones.

En algunas representaciones de esta última edición, sin embargo, se desaprovechó el espacio de la escena en función de la historia. Es decir, los personajes quedaron ahogados e inmóviles en un mismo entorno dramático lo que impidió tanto la dinámica entre puesta, actor y espectador, la interiorización e intencionalidad de lo que se pretendió contar, como un mejor empleo de las luces y el montaje.

Además, surgen problemas entre una escenografía ornamental y la pobreza del guión como en los espectáculos “Los Tres Reyes magos” y “Tres para sentencia”. En el primero, no existe una coherencia entre la búsqueda que emprenden Baltasar, Melchor y Gaspar para hallar al niño Pepito y el lugar en que se realiza: el malecón habanero.

Resulta lamentable que la “búsqueda” y la situación humorística se reduzcan a una serie de chistes que a menudo pierden el hilo de la historia que sin dudas partió de una idea original.

En el segundo, cuando los tres personajes relatan su vida, las entradas y salidas de los actores son abruptas, provocando una monotonía visual, además de que los diálogos y situaciones pierden la comicidad por lo previsibles y evidentes que se muestran.

Algunos espectáculos, sketchs y monólogos sorprendieron porque trataron, desde los temas cotidianos cubanos, cuestiones universales como el amor, el odio, las jerarquías, la libertad, entre otros, a partir del absurdo, la parodia y juegos metafóricos, mediante una comunicación con el público que lo hizo reír y pensar al mismo tiempo.

Por ejemplo, el dúo Cari Care con su propuesta Vivienda de bajo costo mostró un humor fino, inteligente y metafórico. De todas maneras, resulta inverosímil que cuando dos argentinos hablan sobre la construcción de una casa, de pronto comiencen a referirse de forma directa a los pinareños, a los santiagueros o a la urbanización en Ciudad de La Habana.

Tres temas se reiteraron en la mayoría de las propuestas: el sexo, los cubanos que no son de la capital y la vivienda. Fueron ― sin necesidad en la mayoría de los casos ― escenas obligadas en cada representación nocturna, e incluso algunos tan conocidos como los dos personajes orientales que llegan por vez primera al Aquelarre y se sientan de frente al público.

Ahora bien, ¿por qué en un festival nacional se realizan sketchs ya conocidos por el público que este anticipa y los “recita” junto a los humoristas?

No obstante, existieron momentos de comicidad e ingenio como en el espectáculo Mentes Borrascosas la escena del asesinato de un supuesto director de música de cabaret. Una situación de absurdo llevada de la mano por el reconocido actor Kike Quiñones, con dinamismo escénico y la música del grupo Pagola la Paga lograron que los espectadores disfrutaran de la propuesta.

Sería justo resaltar, además, en Vivienda de bajo costo el momento en que una cotorra decide mudarse pero no sabe cómo ni para dónde, y comienza a reflexionar sobre diversos temas tanto cubanos como universales.

Este Festival Aquelarre ha mostrado que; si bien se precisa de más profundidad en algunos guiones, complejidad en la puesta en escena y un mejor trabajo actoral, en el país se intenta un “humor en serio” en el país y donde lo más fabuloso sigue siendo el agradecimiento del público.

Noche de iceberg literario

2008-06-19T11:56:00.000-07:00

Cuando el público lector cubano puede conversar con los escritores de la Isla en las calles o en un café sobre los personajes de una novela, el significado de una metáfora poética o la importancia de la síntesis en un cuento, entonces la Noche de los libros ― que organiza en su segunda edición el Instituto Cubano del Libro ― logra que la literatura penetre realmente en lo cotidiano y, más que una compañía de ocasión, se convierta en necesidad inagotable por la belleza y la imaginación.

La campaña Lecturas de Verano que comenzará con esta fiesta nocturna el 4 de julio en 20 ciudades del país, y que estará dedicado al natalicio 106 del poeta Nicolás Guillén, propondrá no solo la aproximación a textos tanto nacionales como universales sino a la plástica, la música y el deporte.

Una excelente oportunidad de compartir con destacados intelectuales cubanos será cuando Laidi Fernández de Juan, Daniel Chavarría y Eduardo Heras reflexionen junto a los presentes, en el café Fresa y Chocolate de la capital, sobre la narrativa norteamericana contemporánea y su influencia en la cubana a partir de las novelas La cuchilla de Donald Westlake, La Biblia envenenada de Barbara Kingsolver y La edad de oro de Gore Vidal.

Los tres textos buscan, a partir del desdoblamiento del “yo interno” de sus personajes, realizar un análisis de la sociedad de forma tanto histórica como de manera contextual. Es decir, a medida que las acciones se suceden, los protagonistas enfrentan un dilema ético: luchar por su libertad de pensamiento a cualquier precio o ser subsumidos por el miedo, los odios y la venganza.

Los tres textos parten de la tesis del Premio Nobel de Literatura Hemingway de “la punta del iceberg”: Solo mostrar fragmentos imprescindibles y “crudos” de la realidad para que el lector (re)construya la historia que se narra y descubra los diversos sentimientos, significados e intenciones sociales y políticas que aparecen casi ocultos en la narración.

El volumen de Westlake dibuja la realidad de individuos que viven en una sociedad capitalista en la cual el consumo, la inseguridad y la violencia los lleva al fracaso no solo de sus vidas profesionales sino de las personales.

La ensayista y crítica literaria, Fernández de Juan, en un artículo sobre la escritora norteamericana Barbara Kingsolver comentó sobre los valores de La Biblia… que: “Haciendo gala de un preciso dominio del lenguaje literario, nos entrega una profunda manera de contemplar lo que ella denomina el enorme y movedizo terreno que hay entre la justicia y lo que es justo”.

Por su parte el novelista colombiano Gabriel García Márquez aseveró sobre la valía del volumen de Gore Vidal que: “La edad de oro es el final de la magnífica serie de novelas históricas o historias novelizadas”.

Estas obras han tenido influencia en la literatura contemporánea cubana por sus valores tanto estilísticos como políticos. Con la presentación de estas novelas, el Instituto Cubano del Libro desafía en el verano a un lector ávido de temas y propuestas originales y actuales.

Péglez: Inquietud por la poesía

2008-06-17T07:55:00.000-07:00

El límite entre la introspección y el extrañamiento del ser es un anhelo incesante en la obra Donde dice primavera y es otoño del poeta y periodista cubano Pedro Péglez González. El amor, el tiempo, la cotidianeidad son temas que se funden en el discurso y la propuesta de este decimista, ganador del Premio V Juegos Florales 2006, que busca no solo el verso estéticamente depurado y clásico sino la experimentación formal y de contenido.

En ocasiones, al lector le parecerán que las continuas adjetivaciones y referencias literarias y mitológicas van en contra de la poética, deteniendo el ritmo interno del poema, pero el texto Donde dice (Ediciones Matanzas, 2007) pretende entremezclar una reflexión diferente sobre el amor, el tiempo y la soledad con la cotidianeidad mirada esta última desde una perspectiva del futuro y la esperanza.

En el poema Hay un hombre que quiere que tú existas afirma que: A pesar de su lóbulo de armiño,/ hay un hombre varado en tu corpiño/ sin sol y sin pedir que te desvistas/ el cabello. A pesar de las revistas/ de su almohada, a pesar de los avernos,/ un hombre va y prefiere con cien cuernos.

Péglez ― quien ha publicado además La noche es ella (2001), Tribulaciones del arca (2002), Paflagonia de noche según el condenado (2003) ― en los versos Retrato de una muchacha sentada sobre un verso nos propone que imaginemos un mundo inexistente donde habitan los sentimientos y temores de una muchacha decidida a perdurar en un viaje contra la muerte: A veces la pared que era también de verde/ le enturbiaba la sed como azul que se pierde/ y era llena de gracia como el Ave María.

El poema más impresionante y mejor estructurado es Oneida con H. Es el poeta decidido a interrogarse a sí mismo “el ser o el no ser” teniendo como referente la vida, los sortilegios, las sombras, el pasado y la visión de una mujer misteriosa que lo invade y de cierta manera lo invita a romper con la métrica, los espacios y los contenidos.

Péglez abandona las referencias mitológicas y de cierto hermetismo concentrándose en el sentimiento, la reflexión de lo cotidiano y se refugia en las esencias, en el porvenir: Yo desnudo ante el espejo/ tu ante el espejo desnuda/ ¿y qué hacemos con la bruma/ que entre los dos puso el tiempo?.../ ¿Por qué tanto desencuentro?/ ¿Por qué ahora no fue antes?/ Nadie sabe Nadie sabe/ Solo se sabe el acorde/ del hombre que soy del nombre/ que Oneida escribe con H.

En Flandres: la misma guerra, otro amor

2008-06-11T10:20:00.000-07:00

Cuando el mundo parece dominado por las guerras, los odios y las venganzas, aún queda el amor para sobrevivir, no “el puro” de una mediocre comedia hollywoodense sino el que podría existir entre dos personas alienadas por la cotidianeidad que los invade y los subsume en un dolor que no muestran con palabras, pero sí con las miradas y los gestos. Quizás, sea este el mensaje que desea compartir el director Bruno Dumont con su película Flandres en el XI Festival de Cine Francés que se muestra en la Isla hasta el 29 de junio.

El guión busca desentrañar de forma directa y “dura” el perfil psicológico de los personajes para que las acciones estén relacionadas directamente con los pensamientos y maneras de interpretar lo que les rodea. La trama se desarrolla en dos contextos en apariencia distantes: en un pueblo de campo de Francia y en una guerra en un país del Oriente Medio.

Demester ―joven granjero de Flandres, interpretado por Adélaïde Leroux, vive en un lugar en el cual no encuentra ni futuro ni esperanzas y solo desea tener relaciones sexuales con Barbe, una muchacha esquizofrénica protagonizada por Inge Decaesterker― es reclutado por el ejército galo sin saber por qué ni para qué debe pelear y decide junto con otros soldados escapar y regresar a su región natal.

Dumont, quien mereciera por este film el Gran Premio del Jurado en Cannes 2006, intenta dejar una idea sugestiva a medida que la cinta transcurre: escapar de la guerra no significa necesariamente que esta no se haya apoderado de la conciencia y la domine.

En la fuga los personajes van dejando muerte, violación, despojos, es decir no han podido librarse en el pensamiento de lo que huyen. Su ejército es el invasor, pero el que se defiende es capaz de vengarse con la misma crueldad del agresor y asesinar a sangre fría.

Flandres nos abandona en un callejón sin salida, pues en el pueblo de Demester los suelos son tan áridos como en el campo de batalla, su gente (sin futuro) es áspera, vengativa y violenta como los dos ejércitos. Mientras, Barbe vive alienada, impaciente por la llegada de los soldados, sufre una crisis nerviosa que sus padres no comprenden y la reprimen cuando conocen que está embarazada y a todas luces no se sabe de quién.

La utilización del sonido es básica en la estructura del film porque se emplea como una segunda narración y es un personaje más dentro de la historia: se dirige hacia lo que no pueden decir las palabras, el paralelismo entre la guerra y la paz, la desolación y la “armonía”.

Aunque la edición, sin dudas, está en función del sonido y del intento de igualar en espacio y tiempo los dos lugares en los cuales ocurre la acción, se torna contraproducente porque vuelve la cinta bastante lenta y densa, y en ocasiones, el espectador pierde el hilo argumental ante imágenes que una y otra vez se reiteran.

En Flandres, el amor aparece al final cuando el personaje llega al poblado con la culpa de haber abandonado a sus compañeros mientras huían y se encuentra con que Barbe ha abortado.

Sus miradas son cómplices, las palabras no existen, aparece el sexo violento sin satisfacción, y escapan uno del otro alienados y afectados por la guerra y por el modo de vivir que llevan -sin dudas aparece la tesis de que el capitalismo como sistema es la agresión perenne al hombre y provoca el odio entre ellos- y balbucean, mientras se abrazan, que se aman. Barbe observa al cielo con el rostro pálido como si fuera su único refugio, quizás Demester no fuera el amor que soñaba, pero sí el que le tocó vivir y sobrevivir en un mundo convulso y distante.

Se renta esposa

Se renta esposa (2005) del director Eric Lartigau es una comedia de situaciones y equívocos en las que Luis, un hombre maduro dominado por su madre y sus hermanas, se ve obligado a conseguir una mujer y decide pagarle a Emma para que represente el papel, pero terminan enamorándose.

Luis, protagonizado por Alain Chabat, es un hombre superficial que banaliza al sexo opuesto y lo discrimina, a la vez que le crea perfumes y prefiere los amores fugaces mientras que Emma es existencialista y segura de sí misma.

El film logra momentos originales cuando Charlotte Gainsbourg debe realizar dos papeles, la mujer perfecta y la diabólica. Es decir, el público se identifica de inmediato con los protagónicos porque actúan acorde a la situación, con profesionalidad y sin alardes dramáticos. De hecho, la película de las tres candidaturas que obtuvo a los Premios César, dos fueron otorgados al mejor actor y a la mejor actriz.

La cinta se mueve en dos planos narrativos que el director lleva con acierto, además, como las escenas y situaciones no se ven ficticias ni superpuestas monótonamente divierten al espectador que es el objetivo de Se renta una esposa.

Antón Arrufat: “He inventado un mundo con conexiones con lo real”

2008-06-10T12:40:00.000-07:00

La perduración de las cosas, el tiempo y la trascendencia del escritor son algunas de las preocupaciones estéticas y filosóficas del Premio Nacional de Literatura 2000 Antón Arrufat, quien fuera invitado de honor a la XVII Feria Internacional del Libro,

Es un hombre que defiende la fuerza y claridad del discurso como medio no solo de compartir ideas y sentimientos con el lector sino de influir en las acciones y dialéctica de su vida cotidiana. Por eso, ha incursionado en diversos géneros como la poesía Repaso final (1964), el cuento Mi antagonista y otras observaciones (1963), la novela La noche del Aguafiestas (2000) y el teatro Los siete contra Tebas (1968), entre otros.

¿Por qué esa preocupación por establecer una relación entre la muerte y la perduración de las cosas?

La muerte viene a ser la negación de esa perduración y el hombre siempre ha querido que no exista. Es una de sus obsesiones. Ha construido ciudades, monumentos y creado toda una literatura en torno a ella, porque la escritura es oponérsele en alguna medida. El dramaturgo francés Gabriel Marcel dijo: “tú no morirás, mi amor te salva”.

La idea de que la muerte es un mal, ya no lo comparto, pues viene a ser como la culminación de la vida. Ahora recuerdo los maravillosos versos del poeta Stéphane Mallarmé, “al fin como tú eras en ti mismo la eternidad te cambia”, y esa eternidad es la transformación y la revelación personal alcanzada.

¿Qué es para usted el Cambio en Escala?

Es una novela (inédita todavía) sobre la vejez de un escritor y de otros personajes. Insisto en que no tiene nada que ver conmigo porque no hago una literatura autobiográfica.

He inventado un mundo con conexiones con lo real, pero se podrá o no encontrar tangiblemente. El “cambio de escala” es el momento en el cual un hombre, llegada cierta edad, comienza a verse de otra manera y empieza a pensar que la escala social en que lo miden es diferente: la que los demás le imponen.

Este hombre se reencuentra con tres amigos, perdidos para él y descubre en cada uno el sentido que le han dado al final de sus vidas y regresa e intenta darle un sentido para vivir sus años finales.

¿Por qué usted recurre una y otra vez a la preocupación por la trascendencia del escritor?

No sé si la literatura es trascendente, pero lo que me interesa exclusivamente es que un libro mío, por ejemplo el volumen de cuento Los privilegios del deseo que escribí entre el 2005 y el 2007, el lector se lo lleve para la casa y establezca con él una intimidad.

No obstante, sabemos que unas generaciones lo van a leer, otras lo van a ignorar. La trascendencia que posee la vida de un libro es casi la misma que puede alcanzar la vida humana, efímera, pero por lo menos los momentos de relación, de vínculo entre el escritor y el texto es lo que podríamos llamar como la trascendencia.

¿Cómo valora la Feria Internacional del Libro?

Lo importante de la feria del libro es la afluencia de la gente. Algunos en mi barrio se han acercado para que les consiga una entrada. En la feria está mezclado todo, desde libros, comida, hasta los papalotes.

Es decir, existe esta inmensa fortaleza donde se puede caminar, comprar y conversar sobre libros. No obstante, hay más producción nacional que volúmenes extranjeros. En el catálogo cubano falta mucho clásico de siglo XIX y del XX que no se conocen, y las editoriales debían ocuparse de esa carencia. La feria, además, carece de la novedad editorial.

Sé que es difícil porque las editoriales extrajeras que publican determinados autores no te dan los derechos, pero tal vez mediante algún tipo de intercambio que permita a los lectores cubanos acercarse a esas novedades y poderlas comprar.

El verso andino: desafío poético para el mundo actual

2008-06-06T09:55:00.000-07:00

La poesía quechua y aimara contemporánea es el regreso a la semilla, las imágenes agrícolas y los mitos, pero también es la búsqueda incesante de una voz propia que reflejen la existencia, pensamientos, valores y acciones del hombre americano. Es la preocupación por el ser y por su devenir que para el destacado poeta e investigador William Hurtado de Mendoza es “la necesidad de la interculturalidad para no perecer en la historia”.

La XIII edición del Festival Internacional de Poesía, dedicada este año a las lenguas originarias, ha permitido el intercambio de los cubanos con autores de la región andina (Chile, Paraguay, Bolivia, Perú, entre otros) para conocer, según el escritor aimara José Luis Ayala, “las ideas y la riqueza de los valores linguísticos de una cultura milenaria”.

La literatura quechua y aimara no debe ser considerada como una categoría menor dentro del mundo de la creación, sino desde la perspectiva de una búsqueda por una estética y un discurso dirigido a la sensibilidad de lectores de cualquier región del planeta.

Si bien son conocidos en nuestro continente los versos de poetas franceses como Charles Baudaleire o Arthur Rimbaud, la obra poética del cusqueño Andrés Alencastre pasa casi inadvertida. El texto “Poderoso Cóndor” es una misteriosa mezcla entre la reminiscencia con el pasado y lo mítico, y la forma metafórica en que se interpreta la vida presente: Hermoso señor del mundo blanco nudo/¿Por cuál motivo vienes tú/ a posarte en el techo de mi morada/ No me digas/ que mi padre o mi madre han muerto;/ yo te ofrezco (en cambio)/ que bebas mi sangre ¡bébela Señor!

Según el poeta Mendoza, en su conferencia “Estado actual de la poesía andina” realizada en la Casa de las Américas, es difícil para un lector común adentrarse en la imaginería de este tipo de verso, porque prevalece una visión unipolar, dominada por la interpretación de la tradición literaria occidental, en la cual tanto la expresión como la riqueza lingüística desbordan una realidad diferente, que limitan el universo de comprensión de la obra indoamericana.

La poética de Eduardo Ninamango, por ejemplo, no es solo el afán por la belleza estética de intención universal sino por dejar una huella (relación mundo-concepto) en la sensibilidad del individuo… la memoria afectiva: porque la vida es dura/ y deja sin gota de lluvia/ a los animales que mueren en el campo/ a los árboles que agitan sus camas y caen al suelo/ como ave herida a las gramíneas que ya no florecerán, sin que el hombre,/ viejo diseñador de historias,/ de arcillas,/puede detener el fuego de la lluvia.

“Lo cotidiano en realidad, afirma Ayala ante la pregunta de cómo interpretar la metáfora en la obra quetchua y aymara contemporánea, es lo extraordinario. El tiempo del mundo andino es circular, tiene un sentido de movimiento perpetuo; es una interpretación metafórica y dialéctica diferente a la occidental que permite alcanzar una visión mítica-cósmica que forma parte del ser humano”.

En los textos de algunos de los poetas de habla indoamericana se puede encontrar un nuevo fenómeno: La simbiosis entre la lengua castellana y la de esas regiones. Es el intento por alcanzar una doble significación y sensibilidad ante la realidad que se les presenta a los autores, la fusión y manera de pensar de la cultura occidental con la quetchua, la aymara, entre otras.

La preocupación ideo-estética es hasta qué punto dos posibilidades expresivas diferentes puedan ser representadas a través de lo lingüístico y sean comprendidas ya no solo por los cinco millones de quechuas bilingües, sino por otro tipo de lector.

Sin dudas, es un desafío poético que abre el puente de la “interculturalidad” y la experimentación constante entre la forma y el contenido.

Para Mendoza, cada vez que escribe un poemario se enfrenta con un problema: “Tengo que explicarle a la mayoría de la gente la estructura de mi libro porque no se entiende, es decir los escritores de nuestra habla hemos estado mudos durante siglos. Hay que buscar y alcanzar la igualdad de las palabras y el rigor estético para llegar a más personas y que ellos se acerquen a nuestra literatura”.

El Festival Internacional de Poesía ha posibilitado intercambiar con una cultura y una literatura que nos pertenece por esencia y enriquece nuestro panorama ideo-estético, pero lo lamentable es la poca participación y convocatoria a esta edición tanto de estudiantes de todas las enseñanzas como de noveles poetas.

Poema: "Poderoso Cóndor"

Rozando todos los cielos
aparece el divino cóndor;
temerosas, se ponen las rodillas
las montañas que él contempla.
Extiende sus alas
y los pueblos caen bajo su sombra:
los ríos, los lagos,
reflejan su gran imagen.

Moviendo sus alas
desata los vientos;
con hojas sin peso, los animales
huyen por abras y montes.

Con el sol, ojo a ojo
el cóndor se mira;
y nadie como él conoce al hombre
llegando a su profundo
corazón, con ese ojo.
Su aguda cresta, cortante acero;
su pico ¡sí, aguja!
y en sus patas escamosas,
las uñas cuchillo antiguo.

Hermoso señor del mundo blanco nudo
¿Por cuál motivo vienes tú
a posarte en el techo de mi morada-

No me digas
que mi padre o mi madre han muerto;
yo te ofrezco (en cambio)
que bebas mi sangre ¡bébela Señor!

Iniciará en la capital el XI Festival de cine francés

2008-06-06T09:49:00.000-07:00

El XI Festival de cine francés llegará desde el 6 hasta el 29 de junio a todas las salas del país, en las que se podrán ver alrededor de 19 de cintas de los más variados géneros y temáticas cinematográficas.

Este evento, con el apoyo del ICAIC, la Cinemateca de Cuba, la embajada de Francia en Cuba, la Alianza Francesa y Cinemanía, presentará en la capital el estreno mundial del film París 1936 del destacado director galo Christophe Barratier.

La acción transcurre entre diciembre de 1935 y julio de 1936 momento en que el país vivía una situación revolucionaria cuando tres obreros del espectáculo en paro ocupan a la fuerza la sala que los empleaba y se lanzan a la creación de una obra.

Además, se realizará un homenaje al director Jacques Demy con una muestra de cinco cintas entre las que se encuentran los paraguas de Cherburgo, la bahía de los Ángeles y Lola, entre otras.

El Festival tendrá la particularidad que se extenderá a varios municipios alejados de la capital como Consolación del sur en la provincia de Pinar del Río, Quemado de Güines en Santa Clara y Jiguaní en Granma.

En la muestra se podrán apreciar los films Juntos Nada más del director Claude Berri (que inaugurará la filmografía francesa), Se renta esposa de Eric Lartigau, La serpiente de Eric Barbier, entre otras.

“Puedo lograr un acercamiento entre las culturas indígenas norteamericanas y cubana”.

2008-02-12T08:37:00.000-08:00

Esta fue una conversación que sostuve con el cubano José Barreiro quien vivió en las reservas amerindias en los años 60 del pasado siglo y ahora es un fuerte defensor de las culturas indígenas norteamericanas y del rescate de las tumbas de los aborígenes latinoamericanos.

Cuando escuchamos que un indígena norteamericano estaba en Cuba hablando del Apóstol y de su relación y defensa de las comunidades aborígenes en Los Estados Unidos, nos provocó el asombro de la novedad, pero al enterarnos que era un cubano nacido en Camagüey, que se llamaba José Barreiro y era Doctor en Estudios Americanos, lo convencimos para que nos relatara su vida.

Su ponencia presentada en la recién concluida II Conferencia Internacional “Por el Equilibrio del Mundo” se tituló: “El indio en Martí: visiones proféticas del Maestro”. Pretende que se conozcan las ideas martianas en las actuales culturas lakotas, iroquesas y senecas, entre otras. Director asistente de investigaciones de la Smithsonian Institution en el Museo Nacional del Indio Americano, periodista durante más de 20 años y escritor de varios libros no solo se desempeña como promotor del pensamiento aborigen continental sino del rescate de las tradiciones y de su filosofía.

¿Cómo llegaste a los Estados Unidos?

Salí de Cuba un año después del triunfo revolucionario, con menos de 13 años mediante la Operación Peter Pan y llegué en una noche a la Florida y después al estado norteño de Minnesota… sería el 20 de noviembre de 1960. Llegué solo con un hermano, sin padres, y las autoridades religiosas nos pusieron con una familia norteamericana vinculada a ellas.

Allí pasé mi primer año y por casualidad, buscando el calor humano que en ese momento era difícil de encontrar, conocí a dos muchachos chicanos-indios. La mamá pertenecía a “la Reservación de Tierra Blanca” y con ellos hice las primeras amistades verdaderas que tuve y me mezclé con su familia. Su abuelo me invitaba a cazar venados y penetré más rápidamente a la subcultura indígena que a la cultura general norteamericana.

Yo he dicho que desde cierto punto de vista fue un exilio dentro del exilio.

¿Qué fue lo que más te atrajo de esa nueva forma de ver el mundo?

El conocimiento bien profundo de la naturaleza, del papel de lo natural y de la tradición, el espiritualismo y el ceremonialismo. No soy religioso pero sí creo en lo espiritual. Las culturas indígenas poseen una adaptación, y un conocimiento ancestral que parte de una observación muy aguda de la naturaleza.

Hay muchos jóvenes que desean buscar contacto y conexión con lo indio y estos se apartan, les molesta que lleguen algunas veces los muchachos con ideas deformadas de lo que buscan. Me acuerdo que un anciano seneca me comentó que su mundo era como un gran árbol: Tenemos nuestras raíces que son el pasado, las tradiciones culturales y orales y el conocimiento. El tronco es el pueblo, y en las hojas está lo social y nuestros problemas. En lo más alto del árbol hay una florecita y esa es la espiritualidad. Lo que nos molesta es que a veces los jóvenes llegan y no quieren ver el árbol sino arrancar esa florecita. Pero, para arrancarla hay que conocerla y regar y amar el árbol.

Es decir, debemos hacernos cargo del bienestar social y político para alcanzar la espiritualidad verdadera.

¿Se vinculó con el movimiento indígena por esos años?

Cuando llegué a los 18 años a Minneapolis, me encontré con el movimiento indígena americano, a raíz de unos atropellos de la policía hacia grupos y barrios indios. En esos momentos, ocurre en 1973 la toma del sitio histórico Wounded Knee (Rodilla Herida) y al año siguiente comencé a hacer escritos sobre la reservación en el periódico de la Universidad y me compenetré todavía más con la cultura Lakota y Sioux.

El movimiento era muy fuerte y activo, pues en cada semana había un asesinato, o a alguien lo mataban a golpes. Durante esos años conocí miembros de muchas tribus como a los iroqueses del este, por ejemplo. Sorprenden porque viven bajo el concepto de la gran ley de la paz, son gente de un impresionante nivel intelectualidad.

¿En qué otras actividades del movimiento participó?

En 1977 ocurre la primera Conferencia Internacional que se dio en Ginebra que incluyó a delegados de más de 40 naciones indígenas. Al principio, yo llegué como escritor para el periódico, pero a los jefes no les gustaron los intérpretes de la ONU, eran unos muchachos europeos que desconocían la temática, entonces me pidieron que tradujera durante esos cuatro días, de los cuales todavía tengo grabado algunos de aquellos discursos porque pude escuchar la compenetración espiritual y política de las diferentes tribus y naciones.

¿Hubo intercambios académicos con científicos cubanos?

Cuando surge el Museo del Indio Americano ―que hereda más de 800 mil piezas de todo el hemisferio ― con la idea de rechazar los robos de tumbas, me uní a este proyecto.

Y a raíz de un trabajo que hacíamos en Cuba con el legado indígena de las tribus del Caribe y de realizar una serie de conferencias con la Fundación Antonio Núñez Rodríguez de la Naturaleza y el Hombre y otras entidades cubanas y americanas, pudimos repatriar unos restos óseos taínos que habían sacado de la Isla en 1915, alrededor de 36 cajas salieron por la ciudad de Baracoa en aquel momento.

Entonces, tuvimos un doble propósito: el primero era devolverlos a una comunidad de parentesco, aunque fuera lejano, con los taínos y en segundo lugar demostrar que no ocurrió una extinción total de los aborígenes cubanos.

La cultura taína dejó un conocimiento que pasó al campesinado y se observa en la tradición de la agricultura cubana como la siembra de los tubérculos durante las fases de la luna, la yuca especialmente, y la aplicación de la medicina natural.

¿Cuál ha sido su relación con Cuba?

Siempre quise regresar. El primer año en Estados Unidos no solo recibí el frío de su atmósfera sino de su cultura. Imagínate, mucho dolor; estuve 18 años sin poder regresar porque las políticas norteamericanas no lo permitían.

En 1978, yo era maestro en una escuela del movimiento “La Escuela de Supervivencia Nos Recordaremos”, y nos llega una invitación cubana para participar en el Primer Festival de la Juventud de 1978 y los jefes disponen que yo fuera con los muchachos de la reservación. Fuimos a la ciudad canadiense de Montreal y en unas cuantas horas estaba en La Habana.

Las autoridades reconocieron mi papel en esos momentos y permanecí en todas las sesiones, lo cual posibilitó que regresara al año siguiente y ahora sí pude volver a ver a Camagüey y pude visitar a mis parientes.

Siempre viví un gran interés por Cuba, a pesar de la creciente hostilidad contra nuestro pueblo. Yo he estado muy cercano tanto cultural como espiritualmente, defendiendo las ideas de la justicia social… mi pensamiento es que la soberanía reside aquí, y punto. Eso yo lo defiendo. Los cubanos son dueños de sus tierras, ideas y problemas. De afuera no hay derecho a intervenir en lo que ocurre, es decir el respeto en todo momento a la soberanía.

Estoy satisfecho de publicar aquí el libro Panchito: Un hombre de montaña. Es un contenido tan cubano que no era posible dar los primeros pasos de la publicación e información en otros países, porque Panchito es un genio natural de su contexto.

¿Por qué la ponencia sobre José Martí?

¡Martí lo vió todo! Es increíble cómo pudo expresar tanto sobre los indígenas en sus pocos años de vida y con tantas tareas revolucionarias a su cargo.

Es interesante cómo pudo ver proféticamente el mundo indígena más allá de lo político, es decir, captó la profunda espiritualidad que de cierta manera se encontraba alejado de sus circunstancias.

Poder transmitir esas ideas martianas a la conferencia es abrir otra visión o ruta en su estudio. El Apóstol logra explicar el mundo indígena y se observa su compenetración con la naturaleza. En su diario de campaña, hay que ver como se expresa: a pesar de estar en una guerra, está viendo las plantas, en qué cómo y para qué se usan.

Poder regresar a Cuba y hablar sobre el Maestro del tema indígena y después introducir estas ideas allá en Norteamérica, es realmente algo que me emociona. Ya no estoy en el exilio, y sé que puedo lograr a corto plazo un acercamiento entre las culturas indígenas norteamericanas y cubanas.

La poesía de Heredia y Martí en la identidad nacional

2008-01-31T08:59:00.000-08:00

La II Conferencia Internacional "Por el equilibrio del Mundo" me ha tenido alejado del blog, no obstante pude escribir un comentario relacionando la obra del gran poeta cubano José María Heredia (en efecto, el primo del francés con el mismo nombre) con la del Apóstol José Martí.

La libertad, las palmas y la estrella son símbolos que permitieron reflejar, tanto a José María Heredia como a José Martí, poéticamente la imagen de Cuba. Estos signos forman parte de su pensamiento conformador de una identidad propia insular y nos llegan al presente como una respuesta de lo que somos y podríamos ser. El primero desde una visión romántica y el segundo desde un modernismo bien personal.

El Apóstol afirmaría del cantor del Niágara que “su poesía perdura, grandiosa y eminente como aquellas pirámides antiguas que imperan en la divina soledad, irguiendo sobre el polvo del amasijo desmoronando sus piedras colosales”.

En efecto, en el cantor de El Himno del Sol (1803-1836), la exaltación del sentimiento y la subjetivación de la naturaleza a través de las descripciones no son enumerativas, sino que desde su cosmovisión lo exterioriza y complejiza. Nos percatamos cuando al representar las cataratas del Niágara recuerda las palmas cubanas: Mas ¿qué en ti busca mi anhelante vista/ Con inútil afán? ¿Por qué no miro/ Alrededor de tu caverna inmensa/ Las palmas ¡ay! las palmas deliciosas,/ Que en las llanuras de mi ardiente patria/ Nacen del sol a la sonrisa, y crecen/ Y al soplo de las brisas del océano,/ Bajo un cielo purísimo se mecen? (Niágara)

La poesía herediana está influida por la creencia en la trascendencia y la inmortalidad, a partir de la capacidad de crear símbolos ante la realidad que se le presenta. El crítico y escritor Cintio Vitier plantea con relación a las posibilidades sensitivas del autor de A Emilia que “típica del pathos romántico es la interpretación del sentimiento y naturaleza, a tal punto que los espectáculos naturales resultan misteriosamente asumidos por el mundo de las pasiones”.

En Martí (1853-1895), esa interiorización de “lo Otro” se manifiesta bajo los signos de la individualidad, como personificación de lo indefinible en las intuiciones de la poesía. Tal vez esa individualidad posea su máxima expresión en la voluntad y sacrificio humano para lograr la Belleza y la Libertad: Y yo pasé, sereno ante los viles/ Cual si en mis manos, como en ruego juntas/Sus anchas alas púdicas abriese/Una paloma blanca. Y aun me aterro/De ver con el recuerdo lo que he visto/Una vez con mis ojos. Y espantado/Póngame de pie, cual emprender la fuga./¡Recuerdo hay que quemas la memoria! (Pollice Verso)

La integración de la Naturaleza con el Arte la realizan en la medida en que afianzan su espíritu: Si Heredia se crea un mundo a través de sus meditaciones con lo externo, el autor de Los Versos Sencillos lo asume con una voluptuosidad irresistible. Busca el equilibrio entre la validez de la expresión universal con la individualidad de las cosas.

El destierro como forma de expresión en Heredia y Martí

Los dos próceres ya fuera por casualidad o capricho de la historia, sufrieron el destierro por sus ideas y acciones revolucionarias. El 6 de noviembre de 1823 la conspiración separatista de España Soles y Rayos de Bolívar, a la cual pertenecía Heredia, fue descubierta y debió huir hacia la ciudad norteamericana de Boston. El 23 de diciembre del siguiente año es condenado en su país por rebeldía a destierro perpetuo.

Martí, desde joven, estuvo vinculado a los sectores cubanos más radicales. Ya en 1879, recién terminada la Guerra de los Diez Años, realizaba labores conspirativas para lo que después se llamaría la Guerra Chiquita. Pero el 25 de septiembre de ese año, el Apóstol es deportado en el vapor de “Alfonso XII” hacia España. Comienza así su largo camino como expatriado, no regresaría más a Cuba sino hasta 1895.

Cuando ambos, en tiempos diferentes, se trasladaban en barco de un país a otro, tuvieron que avistar tierra cubana sin poder desembarcar en ella, provocando que cada uno reflejara sus impresiones de forma diversa, pero dramáticas.

Heredia comienza El Himno del desterrado con el dolor característico romántico: un sentimiento que busca penetrar en la angustia y los anhelos frustrados: Reina el sol, y las olas serenas/ Corta en torno la prora triunfante,/ Y hondo rastro de espuma brillante/ Va dejando la nave en el mar./ ¡Tierra! claman: ansiosos miramos/ Al confín del sereno horizonte,/ Y a lo lejos descúbrese un monte…/ Le conozco… ¡Ojos tristes, llorad!.
Martí es menos impulsivo para representar la realidad inevitable, no con la pesadumbre o imposibilidad tan penetrante en los versos heredianos: Las campanas, el sol, el cielo claro/ Me llenan de tristeza, y en los ojos/ Llevo un dolor que el verso compasivo mira,/ Un rebelde dolor que el verso rompe/ ¡Y es ¡oh mar! La gaviota pasajera/ Que rumbo a Cuba va sobre tus olas! (Domingo triste)

La poesía simbólica de Heredia y Martí: La palma y la estrella

José María se deslumbra cuando ve al espectacular fenómeno natural del Niágara y comienza su evoción: Templad mi lira, dádmela. No podemos olvidar su tristeza porque su Patria no es libre de la tiranía de España y aun vive en el destierro, por eso cuando comienza a describir a la catarata, le surge de inmediato la imagen de Cuba: Mas ¿qué en ti busca mi anhelante vista/ Con inútil afán? ¿Por qué no miro/ Alrededor de tu caverna inmensa/ Las palmas ¡ay! las palmas deliciosas,/ Que en las llanuras de mi ardiente patria/ Nacen del sol a la sonrisa, y crecen/ Y al soplo de las brisas del océano,/ Bajo un cielo purísimo se mecen? (Niágara)

En otro pasaje del mismo poema se aprecia el sentido de lo colectivo: el pueblo cubano. Este concepto de lo colectivo no transmuta en pura abstracción sino en movimiento, en las ansias de liberación universal: Los campos inundar en sangre y llanto,/ De hermanos atizar la infanta guerra,/ Y desolar frenéticos la tierra./ Vílos, y el pecho se inflamó a su vista/ En grave indignación.

Para Martí la “estrella que ilumina y mata” es el simbolismo de la pureza, de nuestra libertad y del compromiso con la historia. La estrella es Cuba: Esta, que alumbra y mata, es una estrella:/ Como riega luz, los pecadores/ Huyen de quien la lleva, y en la vida,/ Cual un monstruo de crímenes cargado,/ Todo el que lleva luz, se queda solo. (Yugo y Estrella)

El pensador y escritor español Miguel de Unamuno escribiría sobre los versos de Martí que “No hay en ellos más freno que el ritmo del endecasílabo, el más libre, el más suelto, el más variado y proteico que hay en nuestra lengua. Y más que un freno es una espuela ese ritmo; una espuela para un pensamiento ya de suyo desbocado”.

Es la pasión a la eternidad, pero también a la realidad que se le presenta y esa es la verdadera semejanza entre los dos José del siglo XIX: el amor se extiende hacia lo insular fundido con la paz y la vida, la pasión y la verdad.

Tanto Heredia como Martí nos enseñaron a amar Cuba como una Nación. Fueron capaces de captar la realidad y transmitirla en un lenguaje poético y autóctono. Las palmas, la estrella y la libertad son símbolos capaces de conmovernos, de sentirnos identificados como nación con una historia que la trasciende, no solo desde aspectos puramente estéticos sino a partir del surgimiento de una idea clara de identidad nacional.

La lectura en el quehacer del cubano (Segunda parte)

2008-01-22T07:55:00.000-08:00

Esta es la segunda parte de un comentario publicado el 18 de noviembre del 2007

El mayor reto de cada Feria Internacional del Libro es que el hábito de lectura influya en el quehacer cotidiano de los cubanos. La edición y venta de novelas, poesías, teatros, ensayos y cuentos aumentan anualmente, pero ¿sabemos exactamente cuáles son los volúmenes más demandados y en qué medida existe una relación entre lo publicado y su calidad?

Aunque la cuestión no es imponerle un tipo de lectura al público, al menos deben aparecer algunas referencias hacia los libros que tengan mayores valores universales ya sean contemporáneos o no.

A partir de la encuesta realizada en los recintos de la instalación Morro-Cabaña por el Centro de Investigación y Desarrollo para la Cultura Cubana (CIDCC) “Juan Marinello” a más de 2 mil participantes a la Feria resultó que después del texto Cien Horas con Fidel, el segundo más demando fue El Diablo Ilustrado y el tercero le correspondió a Harry Potter.

Debemos resaltar que aunque la muestra realizada para la investigación “no califica como representativa estadísticamente”, sí permite adquirir una visión de lo que puede suceder en el presente año.

Llama la atención la casi ausencia de autores clásicos cubanos dentro de la preferencia de los encuestados, solo dos: José Martí con La Edad de Oro (aunque no es expresamente literatura para niños y es solo una parte de la obra del Apóstol, no aparecen referencias ni a sus versos, ni a su oratoria, por ejemplo) y José Lezama Lima con Paradiso.

Surge una pregunta: ¿Existe desconocimiento de una literatura cubana con aportes universales? Lo cierto es que autores como Julián del Casal, José Lorenzo Luaces, Fernando Lles, Medardo Vitier, Enrique Hernández Miyares, Regino Pedroso y Josefina (Fina) García Marruz, entre otros, no aparecerán en la presente edición de la fiesta del libro. No obstante, El Diablo Ilustrado posee posiblemente la mayor “tirada” con 100 mil ejemplares, incluso más que la nueva edición de Cien Años de Soledad con 60 mil.

Por otra parte, ¿Hay una relación entre los volúmenes adquiridos en la feria y los que se leen realmente?

Según la investigación del CIDCC “Más de la tercera parte de los encuestados (34,2%) reconoce haber leído entre 5 y 2 libros en los últimos 6 meses, lo que promedia menos de un libro al mes. Este dato, si bien puede asociarse a una población lectora -de acuerdo con los estándares internacionales- podría pensarse más elevado en un país como Cuba, que tanto esfuerzo ha dedicado a la promoción de la lectura y a la elevación de los niveles de educación del conjunto de la población”. Asimismo, “el 77,3% de la muestra declara que no tiene tiempo suficiente para leer”.

El Instituto Cubano del Libro ha fomentado con Lecturas de Verano y el Festival Universitario del Libro y la Literatura (FULL) que el pueblo se acerque cada vez más a la lectura a partir “de un uso cultural del tiempo libre, es una opción recreativa para la gente que es muy enriquecedora”, afirmó Fernando león Jacomino vicepresidente del ICL.

“Estimo que la buena y seria divulgación de los programas de la lectura, afirma el poeta y doctor José Luis Moreno del Toro, ya sea en forma individual, virtual o en bibliotecas nunca estará de más, pero estos deben tener una sistematización racional, para que no solo haya "una zafra" de lecturas en ciertos períodos del año, sino que el objetivo sea crear un hábito todo el tiempo, sembrarlo para toda la vida”.

Quizás uno de los principales retos de la feria se refiere a alcanzar un equilibrio en la venta de los diferentes géneros literarios. A partir de la investigación realizada por el CIDCC casi el 70 % de la población encuestada prefirió la novela y dentro de ella los temas preferidos fueron los policíacos y lo romántico. El ensayo, la poesía y el teatro fueron los menos demandados.

Moreno del Toro afirma: “Opino que la poesía tiene buenos y numerosos lectores y para satisfacción del marketing comercial, se vende. Sobre el ensayo, ya es una lectura para estudiosos, acuciosos o interesados en temas específicos". Es un público más reducido”.

El destacado investigador y crítico literario Virgilio López Lemus coincide en que “el ensayo es un género para minorías, inevitablemente, aunque esas "minorías" puedan ser cada día mayores (que algo sea "de minorías" no necesariamente es un rasgo negativo ni peyorativo, por supuesto). Respecto a la poesía, quizás la mayor parte de la que se escribe no es precisamente la que la gente desearía leer”.

Otra de las estrategias del Instituto Cubano del Libro, según León Jacomino, es lograr una venta continua de los textos durante todo el año, es decir: “recolocar a través de las librerías las novedades que se editan, incluso antes de que aparezcan en la Feria para rescatar la cultura de estas”.

Una sugerencia sería impulsar con mayor fuerza, para las próximas ferias, la literatura cubana, a pesar de las dificultades económicas que entraña imprimir un libro y la carencia de editores que agilicen el proceso. Según Moreno del Toro agradecería la publicación de autores de la Isla como Juan Marinello, Mirta Aguirre, José Jacinto Milanés, Juana Borrego, los papeles y diarios de campaña de los generales Calixto García e Ignacio Agramante.

Con respecto a este tema, López Lemus plantea que “no veo estudios, investigaciones serias sobre qué es conveniente reeditar de los mejores libros cubanos de todos los tiempos y no solo del mundo de la literatura más cercano al consumo rápido”.

A pesar de que se debería impulsar e incentivar más los prólogos en los textos que se venden y la posibilidad de que existiera una opción en lo que se denomina “biblioteca virtual” —lo que facilitaría el estudio de alumnos, profesores y críticos literarios—, sin dudas la Feria del Libro es una excelente oportunidad para que el hábito de la lectura influya en el quehacer cotidiano de los cubanos.

La Enseñanza y la Cultura en Martí

2008-01-15T13:07:00.001-08:00

El 28 de enero de 1853 nació en Cuba José Martí, al que los cubanos llamamos El Apóstol, porque su ideario es formador de nuestra nacionalidad, pero también tuvo una dimensión universal a partir de su formación enciclopédica. Martí fue unos de los periodistas más brillantes no solo de América sino del mundo, fue el iniciador de la corriente poética denominada como Modernismo (la primera corriente literaria nacida en América Latina), según los críticos fue uno de los grandes oradores de la centuria, se desempeñó además como traductor, abogado, diplomático, político, creó un partido que dirigió la guerra contra España y posiblemente fue el primer antimperialista. Su obra es vasta, sin embargo solo vivió 42 años, pues murió en combate el 19 de mayo de 1895. En estos días, escribiré algunas líneas sobre él (que no quiere decir que será lo único que escriba) y aparecerán algunos de sus poemas, es decir los que más me gustan para compartirlos con ustedes.

¿Cómo pensó el Apóstol José Martí el equilibrio del mundo? ¿Cómo podemos analizar sus reflexiones desde el siglo XXI? son algunas de las preguntas que serán debate en la II Conferencia Internacional Por el Equilibrio del Mundo que se celebrará del 28 al 30 de enero.

Para Martí, la enseñanza y la cultura eran primordiales para que los pueblos pudieran alcanzar su propio destino. La vigencia de su ideario permite acercar su pensamiento a la actualidad, pues para él “la educación no es más que esto: la habilitación de los hombres para obtener con desahogo y honradez los medios de vida indispensables en el tiempo en que existen”.

El conocimiento del mundo a través de la aprehensión de la realidad en su propio contexto, El Maestro lo aprecia mediante un intercambio entre las ciencias ya sean sociales (filosofía, historia) o exactas (matemática, física) con una visión universal porque son: “las aspiraciones delicadas, superiores y espirituales de la mejor parte del ser humano”.

La necesidad de una enseñanza cultural compleja es lo que permite enfrentarse a las contradicciones del mundo y observar con cautela el horizonte que nos muestran, es decir, el porvenir latinoamericano.

Recordar que en la mitad del siglo XIX existía la teoría de “la civilización y la barbarie” desplegada por el escritor argentino Domingo Sarmientos en su texto Facundo, la cual proclamaba el imperativo de “copiar” las fórmulas europeas tanto educacionales como civiles con el objetivo de que América Latina borrara de la historia su pasado aborigen y agrícola, o sea “la barbarie” y pasara a un supuesta fase superior, el capitalismo.

Martí se percata que esta propuesta era muy peligrosa, pues eliminaba cualquier intento continental de independencia tanto económica, política como social; de ahí que se acercara al pensamiento de Simón Bolívar en Venezuela y su propuesta de llevar a cabo la idea de la Gran Colombia (la unidad de todos los países americanos en uno solo) y del presbítero cubano Félix Varela que ya anunciaba la necesidad de la independencia no solo de España sino de Europa e incluso avizoraba tenuemente el intento de dominación de la entonces joven nación norteamericana de Thomas Jefferson.

Por eso, el Apóstol afirmaba el valor de la educación desde los primeros años de los niños con un salto cualitativo en los estudios superiores: “Al enseñanza primaria tiene que ser científica. El mundo nuevo requiere escuela nueva. Debe ajustarse un programa nuevo de educación, que empiece en la escuela y acabe en una Universidad brillante”.

Bostezos en el teatro humorístico

2008-01-04T07:43:00.001-08:00

La foto es cortesía de Osvaldo Doimeadiós

El cubano siempre ha disfrutado del humor en el teatro. Las cortinas se corren y aparecen personajes del bufo, el vernáculo o el musical tras los rostros de la ironía, el sarcasmo, la crítica social y van quedando en la memoria del pueblo y son recordados en nuestra cotidianeidad, es la tradición. Al seguir esas huellas llegamos al presente y observamos que, mientras las cortinas abren y cierran marcando el transcurso de las escenas, algunos del público se han ido marchando del lugar, en ocasiones bostezando, molestos o con una leve sonrisa.

Según la encuesta nacional realizada a 500 personas arrojó que a 238 de ellas les pareció insuficiente la producción humorística teatral, 134 la consideraron regular y solo 83 la juzgaron como excelente. ¿Qué ha sucedido con este tipo de espectáculo que ha ido perdiendo seguidores?

Para Iván Camejo, Director del Centro Promotor del Humor, se vive un momento interesante porque “hace tres años que se realizan, respaldados por Alejandro García (Virulo), una serie de espectáculos en el teatro Carlos Marx con una factura más elaborada en escenografía, luces, argumento y dramaturgia con grupos y actores de la talla de Pagola la Paga, Mentepollo, Humoris Causa, entre otros y después realizamos una gira por dos o tres provincias”.

La cuestión es que si se realiza al año un solo espectáculo con calidad… ¿Qué queda para el resto del año? Chistes repetidos, pobreza en la representación, cayendo en los clichés, en la caricatura de determinados personajes hasta la saturación como “el pinareño”, “el oriental” y “el cojo”. Son algunos de los reclamos que desde hace algún tiempo la gente en la calle viene criticando con fuerza.

El destacado humorista Osvaldo Doimeadiós considera que no existe un equilibrio entre la cantidad de puestas en escena con la calidad de las mismas. En este sentido aparece una crisis en las propuestas a partir de la insuficiente preparación en cuanto a la escritura del guión, al no concebirse una idea general u objetivo, ni hilo argumental sino que pululan las yuxtaposiciones de chistes tras chistes sin un propósito definido.

“Debemos cambiar las estrategias de producción de los espectáculos, asevera Doimeadiós, con tres o cuatro guionistas, una dirección artística, un diseñador de luces y escenográfico. Y esto solo se logra si comprendemos la necesidad de la interrelación con las demás artes”.

Con la entrada del Periodo Especial y sus consecuencias económicas y sociales, la mayoría de los humoristas comenzaron a realizar sus espectáculos en los cabarets y luego ese mismo lo trasladaban a las tablas. Al ser dos medios de expresión diferentes (aunque tienen sus semejanzas), así como las personas que acuden a esos dos lugares, los resultados fueron en detrimento de la calidad del teatro.

“El centro nocturno ha golpeado la creatividad de los artistas, plantea el reconocido actor Octavio Rodríguez (Churrasco). No creo que exista una crisis en el humor, pero no podemos permitir que la vulgaridad y la palabra obscena se apropien de los escenarios. Por otra parte, debemos lograr una programación estable que reconozca la importancia de la dirección artística”.

El conductor del programa “Los amigos de Pepito”, Marcos García, nos asegura que es casi imposible lograr una producción con calidad porque “El Consejo de Artes Escénicas realiza todo lo posible por desestimularla, pues no tiene una política cultural clara con respecto a nosotros y se impone el cumplimiento de metas como realizar el Festival Aquelarre una vez al año y organizar un espectáculo en el Carlos Marx”.

En los propios teatros

Jorge Alfaro, director del teatro América, comentó que no existía un espacio para el humor y tuvo que crearlo, pero con una concepción diferente: “Se imponía realizar algo más que un chiste tras otro… era lo que otros estaban haciendo. Es decir en cada ocasión aparece un tema diferente y después se le incorpora el ballet y los juegos de participación. Así surge La esquina de Mariconchi la cual lleva más de 7 años con aceptación en el público”.

Esa es la única peña de este género, al menos en la capital, que posee una programación estable. Según algunos de los humoristas entrevistados, por su concepción, calidad y la manera de enfocar la producción teatral no es el mejor ni el soñado, “pero es lo que existe”.

Tanto Alfaro como Ángel Mario Molina, director del Fausto, coinciden en que a pesar de los problemas con el aire acondicionado y las butacas “remendadas con alambres y otras soldadas” la gente acude a ver las funciones cuando se aprecia alguna calidad.

Para Molina es imprescindible revisar los libretos de los humoristas que se presentan, pues “abusan del público, lo laceran y después no quieren regresar”.

Por otra parte, se debe resaltar que los artistas se encargan personalmente de todo el andamiaje para preparar sus espectáculos, o sea del vestuario, las luces, la dirección, la tramoya, el diseño visual y musical y algunos humoristas entrevistados nos relatan que se desestimulan porque no siempre pueden responsabilizarse con y por todo y “la remuneración es igual si hacemos una puesta en escena compleja y variada que con una silla. A veces es mejor hacer el chiste “bajado” de INTERNET y adecuarlo al contexto que estar un año preparando un gran espectáculo que va a estar dos días en cartelera”.

Preparación de los humoristas

Doimeadiós subraya que no existe una preparación cultural fuerte y aumenta el nivel de facilismo a partir de “la pobreza en la búsqueda de situaciones y del tratamiento de la realidad, no aparece una concepción del arte como proceso universal sino que la comicidad se dirige a determinados temas locales que están de moda y se pierde el riesgo de realizar sátiras, absurdos, sarcasmos, convirtiéndose en algo homogéneo y muy directo”.

Iván Camejo asegura que “ya se están impartiendo talleres de superación para los humoristas, con el apoyo de Virulo, como el encuentro con Daniel Rabinovich, actual director del grupo humorístico Les Luthiers —de los mejores en el mundo—, el intento de creación de una videoteca y una biblioteca”.

La sugerencia sería que los humoristas cubanos contaran no solo con la ayuda del reconocido y talentoso actor Virulo sino que se pudiera alcanzar una relación mayor, para producir al menos tres o cuatro espectáculos anuales con calidad, entre el Consejo de Artes Escénicas, el Centro Promotor del Humor y los propios artistas, así como la posibilidad de superación constante de estos últimos a través de talleres y cursos. Al final, es el público el que sale afectado con actuaciones que apelan a fórmulas y esquemas ya conocidos, que impiden reflexionar sobre determinadas temáticas de la sociedad y apreciar una excelente y atrayente puesta en escena.

Para Doimeadiós “el público debe salir feliz del teatro, no dañado. Cuando un espectador sale dañado es un golpe y una pérdida para el humor. Aunque sí es cierto que al humor siempre se le juzga por lo peor, existen artistas de enorme talento para hacer reír como Nelson Gudín, Churrisco, Pagola la Paga, Miguel Moreno y otros que escriben pensando siempre en una concepción artística local y universal que enriquezca el panorama actual y cultural de la nación”.

Cien Años de Soledad: lo real y lo mágico

2007-12-28T09:48:00.000-08:00

Como lo prometido es deuda y gracias al bloguero(a) que de manera afectuosa me pidió que concluyera el comentario sobre García Márquez con un sutil "Te esperamos", este es además mi regalo por el fin de año: ¡Muchas Felicidades en el nuevo año!!!!!

Una niña entre sábanas vuela y se pierde en el cielo, hombres desaparecidos sin dejar rastro, lluvias interminables, insomnios devastadores de pueblos y un libro que narra el presente hasta el último segundo, son algunos de los sucesos acaecidos en Macondo, el pueblo mítico creado por el escritor colombiano Gabriel García Márquez en su novela Cien Años de Soledad, sin que a sus pobladores les provoque desasosiego, asombro o la extrañeza de lo misterioso sino que los acontecimientos transcurren con total naturalidad y realismo.

García Márquez, Premio Nobel de Literatura en 1982, reformula lo fantástico y lo gigantesco en un mundo cotidiano y verosímil, en el cual los personajes viven el amor y el odio, la guerra y la paz, la alegría y la soledad como referentes que validan su propio universo individual y social. Para el escritor y ensayista Leonardo Padura “son esferas contiguas y contaminadas que desconocen cualquier negación contradictoria, para transformarse en un todo único”.

Algunos críticos han planteado que en las páginas de Cien… se puede estudiar y analizar la historia de América Latina. A pesar de los constantes juegos metafóricos y míticos, se visualiza la lucha por el poder político y por las extensiones tierra, la penetración y explotación norteamericana mediante las compañías bananeras, las revoluciones frustradas, la pérdida de la identidad y de la cultura aborigen, la violencia y la tristeza.

¿Cómo se refleja la violencia y la soledad en un pueblo en que lo mismo ocurre un insomnio incomprensible, guerras interminables, que nacen niños con colas de puerco?

A partir de dos vasos comunicantes: lo social y lo individual. El primero se observa en el agitado mundo político y económico descrito a través las acciones de las guerrillas (tanto liberales como conservadoras), los atentados y las amenazas constantes. El segundo está condicionado por las reacciones psíquicas, ya sean expresivas o factuales, de una familia – los Buendía- condenada a desaparecer en el lapso de una centuria y junto a ella la desaparición del pueblo. Según el propio autor son seres solitarios condenados a “no tener una segunda oportunidad sobre la tierra”. En resumen, la sobrevivencia de los personajes solo tiene permanencia en los ámbitos violentos y en el odio.

Existen tres elementos, en mi opinión, para comprender la clave del espacio y el tiempo en la obra y que permiten la redención de Macondo como un sitio prácticamente “infernal” — idea semejante al Comala creado por el escritor mexicano Juan Rulfo— e imprimirle a la novela valores universales, es decir la creación de un pueblo diferente, de un pensamiento superior: los pescaditos de oro, el papel que desempeñan las mujeres y el uso de las técnicas narrativas.

La persistencia del coronel Aureliano Buendía —si bien en un principio lucha contra la injusticia y el poder, después se convierte en un dictador— en realizar y regalar pescaditos de oro (añeja tradición aborigen) representa la necesidad de rescatar la pureza de los orígenes y lo autóctono. Es el pretexto para que el controvertido personaje pueda recordar con ternura la vez que su padre lo llevó a conocer el hielo: renace en un hombre violento el sentimiento del amor.

Las mujeres en Cien… no solo sostienen a la familia a pesar que la mayoría de los hombres han muerto y las hormigas se comen la casa sino que son capaces de perdonar y de soñar otro mundo. Significan el círculo del tiempo mítico y el real fundidos, en el cual ellas aceptan la muerte como algo necesario y natural, pero presienten de sus vientres el renacer de la humanidad, vidas que se dirigen hacia un ideal trascendente: la solidaridad como única forma de derrotar al individuo aislado y extrañado de los demás y la manera de salvar a los pueblos de egoísmos y luchas por el poder.

Sin dudas, la solidaridad es la justificación para que García Márquez pretenda construir una nueva literatura latinoamericana. Al leer con detenimiento, nos percatamos de lo que se denomina por los críticos como intertextualidad: la conexión con otros libros. Aparece la referencia a un personaje de la novela Rayuela del escritor argentino Julio Cortázar y otro de La muerte de Artemio Cruz del mexicano Carlos Fuentes, aparecen pasajes y estilo literario que semejan a Pedro Páramo de Juan Rulfo y del Reino de este Mundo de Alejo Carpentier. Conclusión: La posibilidad de García Márquez, desde su propia novela, de poder conversar con autores latinoamericanos abre en principio el diálogo y permite la entrada a su historia de diversas formas de pensamiento, expresión y la necesidad de construir un mundo diferente, sin violencia.

Esta nueva edición de Cien Años de Soledad, conmemorativa de aquella primera hace ya cuatro decenios, si bien el papel no es el de mejor calidad, no cuenta lamentablemente con una introducción de ningún intelectual cubano estudioso de la obra del escritor colombiano. Es una deuda de la Editorial de Arte y Literatura porque sin dudas le abriría (en un sentido de sugerencia y conocimiento) los caminos al lector tanto desconocedor de la obra y como al que retorna al texto por fruición al mundo “garcíamarquiano”.

Además, en la contraportada de la misma, aparecen las voces de destacados autores latinoamericanos como Augusto Roa Bastos, Jorge Luis Borges, Mario Benedetti, pero ninguna referencia de literatos o ensayistas actuales de la Isla como Virgilio López Lemus, Enrique Saínz, César López o Daniel Chavaría, por solo mencionar cuatro. Es una deuda que quizás pueda saldarse por el deleite de regresar a las páginas en las que el realismo mágico, omnisciente en el pueblo de Macondo, justifica lo incomprensible y lo hiperbólico.

Realizan en Cuba nueva edición del libro Cien años de soledad

2007-12-21T09:37:00.000-08:00

Aunque solo sea la nota de prensa, les prometo que en unos días aparecerá un trabajo sobre Cien Años de Soledad más extenso y con un mejor nivel de detalle en el que estoy en enfrascado en estos días...

Una nueva edición del libro Cien años de soledad, escrito por Gabriel García Márquez, será presentada el próximo miércoles en el Pabellón Cuba, en esta capital, según dio a conocer la AIN.

El periódico Granma informa hoy que la reproducción fue ilustrada por el artista cubano Roberto Fabelo y constituye un homenaje del Instituto Cubano del Libro y la editorial Arte y Literatura al autor colombiano por el aniversario 80 de su natalicio y los 40 de la primera publicación de esta novela.

Cien años de soledad fue impresa en 1967 y narra la historia de una remota aldea colombiana, Macondo, y de sus fundadores, la familia Buendía.

Está considerada como una obra maestra de la literatura hispanoamericana y universal, ha sido traducida a 35 idiomas y se han vendido más de 30 millones de ejemplares.

Entregan Premios UNEAC 2007 de Literatura

2007-12-21T09:36:00.000-08:00

Los ganadores del Premio UNEAC 2007 de Literatura, galardón que otorga esa institución en las categorías de narrativa, testimonio, poesía y teatro fueron dados a conocer hoy, en esta capital según reportó la AIN.

En la ceremonia de entrega de su edición 42, el poeta cubano y fundador del Premio, César López, dijo que ese importante lauro convoca al respeto de disímiles criterios, a la unión de la cultura y al progreso de nuestra América.

El jurado de poesía premió la obra Hombre de la edad y de la piedra del holguinero Manuel García Verdecia y dejó constancia de su brillante elaboración formal, la amplitud de su registro temático y la eficacia de su lenguaje artístico.

El lauro de la categoría de Narrativa lo conquistó Evelyn Pérez González con su obra Supuestas vidas. También obtuvieron mención Teoría del cuarto oscuro, El jardín de los caminos que se cruzan, Matar al pájaro sentado, Cuentos para llegar al otro lado e Historia portátil de la literatura cubana, todas escritas por féminas.

El escritor habanero Alberto Curbelo se alzó con premio de teatro por su pieza Huracán, calificada por el jurado de una obra singular que dialoga armónicamente con el tiempo pasado, presente y futuro.

Las menciones de esa categoría "Nevada2 y "Béisbol" fueron propuestas para publicación.

Memorias para un reencuentro. Conversaciones con Santiago Álvarez, testimonio del escritor e investigador avileño Larry Morales, resultó ganador en su categoría.

El Premio UNEAC de Literatura, el más antiguo y prestigioso lauro que otorga esa institución, ofrece a los ganadores de cada edición un reconocimiento en metálico y la oportunidad de publicación de los trabajos.

Cine cubano: “Diálogo con lo que somos”

2007-12-18T07:53:00.000-08:00

La paulatina reanimación del cine cubano se observó durante el recién concluido Festival Internacional Latinoamericano, al verse en pantalla un número mayor de documentales, films de larga y corta duración y animados con respecto a otras ediciones, pero el desafío es mayor en el próximo año: El público podrá apreciar alrededor de 33 películas de los más diversos géneros.

Pero no siempre se correspondió la cantidad con la calidad de la filmografía nacional que se pudo apreciar durante el certamen. Largometrajes puramente descriptivos y poco reflexivos de la realidad, a veces pretenciosos, con guiones contradictorios en sí mismos y sin un contenido convincente fue el resultado de algunas de esas propuestas. Sin embargo, permanece la expectativa de lo que propondrán en el 2008 nuestros realizadores.

Quizás, la atención recaiga en el Viajero Inmóvil, del destacado director Tomar Piard. El argumento se centra en la vida del poeta José Lezama Lima, a través de un complejo juego narrativo de tres planos, en el cual una reunión de amigos y estudiosos del escritor, se vincula a determinados pasajes de la trascendental novela Paradiso, así como con sus personajes. El film intenta penetrar y comunicarse con el mundo poético, ético y humano del autor de la Fijeza.

Otro largometraje que podría atraer la atención de los cinéfilos es El cuerno de la abundancia, de Juan Carlos Tabío –reconocido por la comedia Plaff o demasiado miedo a la vida- . La narración parte de un hecho real aparecido en un reportaje del periódico español El País: Más de 25 mil cubanos aseguran ser herederos de una multimillonaria fortuna resguardada en un banco británico.

Sin dudas, una película que por la problemática planteada de seguro causará polémica y debate entre el público cubano será Dioses rotos del novel realizador Ernesto Daranas, quien accedió a responder algunas de las inquietudes que nos surgieron al conocer cuál era el argumento de su película:

¿Por qué Dioses rotos?

Dioses rotos es una película que parte de una figura emblemática y mitológica de la cultura popular: Yarini, un proxeneta que en los comienzos del siglo 20 transformó la correlación de fuerzas entre los chulos de La Habana en un momento en que era un negocio controlado por franceses. Es un momento en el cual el país había llegado a tener una gran desmoralización en muchos aspectos y él devino como un falso mito que encarnaba determinados valores.

De alguna manera el mito vive y se mantiene en este mundo, el proxenetismo y todo lo que está asociado a ello. Es la posibilidad de dialogar con nuestras raíces, con nuestro pasado y es, además, una problemática presente que debemos hablar y abordar.

Es un diálogo entre el presente y el pasado…

La película establece un diálogo, pretende conversar sobre cosas que desearíamos cambiar o que pensamos que deberían ser. Diálogo con el pasado y con el presente, con lo que somos. Aunque es una mirada esencialmente espiritual y humana hacia los personajes. Es la búsqueda de la veracidad y no del realismo —es lo que me interesa proponer al público—, pues en el realismo uno puede caer en el reflejo de las cosas tal cual y en la recreación artística debe haber una búsqueda un poco más allá, es decir una película veraz. Espero que la película guste, se comunique y que finalmente la gente salga discutiendo del cine.

Es un diálogo con los valores humanos…

Sí, es la búsqueda de lo identitario, de lo nacional y al mismo tiempo es una critica tanto a los valores como a los antivalores que se han desplegado en la sociedad actual. No obstante, no tiene una pretensión filosófica o sociológica, lo que me interesa es el aspecto humano con la mirada universal. No me detuve en lo específico o en determinadas situaciones de una región. Te repito, no es una tesis filosófica. Por otra parte, la película coquetea un poco con lo documental, aparece el entrecruzamiento genérico, pero no implica ningún distanciamiento ni complejidad de entendimiento para la gente.

¿En qué coquetea con lo documental?

La narración cuenta la investigación que realiza una profesora, quien se prepara para una tesis de maestría, sobre el universo y contexto de la prostitución y el proxenetismo. En medio de su itinerario, realiza una serie de entrevistas a personas que viven en este mundo y se recoge el proceso de documentación que ella realiza en torno al tema. De alguna manera va complementando la historia central y se integra a ella, eso permite el diálogo con la historia de ficción y la pesquisa que es casi periodística.

¿Las entrevistas son basadas en hechos reales?

Sí, son entrevistas a muchachas, travestis y proxenetas, pero la pretensión no es que sean descriptivas ni relatoras de un modus operandi, sino de resaltar el nivel humano que hay detrás de toda su vida.

Por otra parte, la película no pretende dar soluciones, no es algo que me corresponda. La cuestión es abordar el tema que está ahí en la realidad diaria y proponer una reflexión y una mirada crítica. Aunque es una idea ya recurrente — incluso el tratamiento de la vida de Yarini— tanto en la literatura, en el cine como en el teatro, se ha abordado como una caricatura, queda en lo ilusorio y no es tan simple. Por eso, si doy una respuesta o conclusión creo que serían falsas y no es el objetivo de la película, pienso que la sociedad sabe de alguna manera donde estarían las respuestas.

Cristina Hoyos se echa el Gran Teatro en el bolsillo

2007-12-13T11:50:00.000-08:00

Yuris Nórido

La primera de cuatro funciones de Viaje al Sur, el espectáculo que Cristina Hoyos y el Ballet Flamenco de Andalucía presentan en el Gran Teatro de La Habana fue premiada con una larga ovación de los amantes del baile español que repletaron la sala este martes.
La puesta es un recorrido por todas las posibilidades expresivas del flamenco: desde la fiesta que es vivir hasta el dolor y el drama. Se divide en tres movimientos: La Alegría, La Tragedia y La Pasión. De los tonos claros del primero pasa al negro en el segundo y termina con una explosión de rojo.
Lo de Cristina y su compañía es flamenco del bueno, bailado con dominio de la técnica, pasión, garbo y naturalidad.
A sus años, La Hoyos no cree en el cansancio: sigue siendo una de las más grandes bailadoras del momento, una de las imprescindibles. La suya es una clase magistral de buen gusto y expresividad. Su presencia escénica es impactante: resume en cada una de sus poses toda una tradición. Su histrionismo es conmovedor.
Cristina alterna sus solos con el desempeño del cuerpo de baile y de otros bailarines principales. No hay conflictos de protagonismo: se trata de un espectáculo fluido y bien balanceado. El diseño coreográfico es dinámico y equilibrado. Hay un cuidadoso trabajo en la distribución espacial de los bailarines, en el diálogo entre el solista y el grupo, en las transiciones, en la entrada y salida de los intérpretes a escena.
Mención aparte para la excelencia de los cantantes e instrumentistas, que trascienden el mero acompañamiento. En los diseños de vestuario y escenografía reina el buen gusto y la capacidad de sugerencia.
Viaje al sur subirá nuevamente a la escena del Gran Teatro este miércoles, el sábado y el domingo.

Sigue el aluvión de imágenes en el Festival habanero

2007-12-09T08:40:00.000-08:00

Frank Padrón

Un asombrado y agradecido Fito Páez ante la multitudinaria y entusiasta recepción de su nuevo filme, ¿De quién es el portaligas? , asistió a las dos presentaciones en el Yara; conectado con su ópera prima ( el mediometraje La Balada de Dona Helena ) en tanto barroquismo expresivo y parodia al cine de género, el nuevo empeño del cantautor devenido cineasta muestra logros parciales en el manejo de la ironía y en el expresionista diseño de personajes, ambientes y guión; sin embargo, no logró contener el torrente de situaciones, que simplemente, desbordan el conjunto: su película es en todos sentidos, excesiva, peca de varios finales y por tanto, anticlímaxs y no consigue mantener con la misma facilidad el ritmo, a pesar de lo cual es a ratos muy divertida y portadora de esa energía radiante de su autor

Fatigado, dilatado, estancado, el último Chabrol: La borrachera de poder, sobre una implacable e indetenible jueza que la emprende contra directivos y funcionarios corruptos, carece de la destreza narrativa, la conseguida atmósfera de suspense y la redondez sicológica de los personajes que siempre caracterizaron (incluso, hasta hace muy poco) al maestro francés; si acaso, el excesivo y plúmbeo trayecto, se soporta hasta el final gracias al desempeño siempre brillante de su actriz-fetiche: Isabelle Huppert…

¿Ya repararon en los reparados cines, algunos de los cuales prestan sus servicios al festival? ¿Se detuvieron por ejemplo, en la armónica disposición de los carteles en el Yara, la pulcritud del baño en el Riviera, la calidad acústica del Infanta o el eficiente bar de la Rampa? (ojalá estas opciones en moneda nacional permanezcan tras el festival): pues a cuidarlo todo, que únicamente así apreciaremos el séptimo arte como Dios manda…y hablando de festival y de ofertas en dinero cubano, de ellas y de mucho más (debate de un filme presente en esta edición, figura invitada, conversación y ambiente gratos) puede disfrutarse en Bar Esperanza, el último que cierra, sito en la Casona de Línea, que funciona desde las tardes, con dirección general y conducción del actor y excelente anfitrión Renecito de la Cruz…VENUS, testamento artístico de esa cátedra de la actuación británica que es Peter O´Toole (nominado este año a un Oscar que le escamotearon), resulta una agridulce comedia de Roger Michell; suerte de “Vieja dama indigna” en masculino, sobre la peculiar relación entre un anciano actor en sus días finales y una joven (brillantemente interpretada por Jodie Whittaker ) donde también hace una de sus breves apariciones (aunque siempre magistrales) otra gigante de la escena inglesa: Vanesa Redgrave (ya la mencionábamos a propósito de la extraordinaria Atonement)… lástima que una notable dirección de arte y varios desempeños encomiables (entre ellos el de Diego Bertie) se pongan en función de una historia acartonada y folclorista que hace honor a su título, Una sombra al frente, del peruano Augusto Tamayo San Román, en torno al avance la República hacia la incorporable Amazonas a principios del siglo XX… Por suerte, los frecuentes problemas en la proyección del 23 y 12 han disminuido, no así en el Acapulco, donde siguen confrontándose… De la muestra alemana: Al otro lado, que constituyó la premiére, es lo nuevo del turco asentado en ese país europeo Faith Akim, sobre una serie de relaciones, (des)encuentros e incluso muertes que conectan a seis personas entre esos dos mundos diversos aunque de algún modo relacionados como son Alemania y Turquía; esta vez el trayecto no posee la garra y la entereza dramática que ostentaba su filme anterior, el justamente celebrado Contra la pared: el ritmo se resiente y hay más de un pasaje innecesario, a pesar de lo cual la historia y los personajes no carecen de interés…

Formell y Varela: ¿Invadidos por el mercado?

2007-12-07T11:16:00.001-08:00

Es insólito y preocupante que artistas cubanos de la talla de Carlos Varela y Juan Formell se junten para dar un concierto en el Complejo Morro-Cabaña por un precio prácticamente inaccesible para el pueblo que vive en la capital.

Lo peor es que son los jóvenes los que principalmente acuden a estos eventos culturales con el fin de divertirse y salir de la rutina diaria. ¿Cómo consiguen 250 pesos moneda nacional o su equivalente 10 CUC? ¿Cómo puede un padre que trabaja día a día en una fábrica o empresa sufragar tal empeño? ¿Por qué esta institución sabiendo el fenómeno persiste en anunciar con “bombos y platillos” a los artistas y el “cover”?

El cantautor Silvio Rodríguez, recientemente, se negó a dar un concierto en Chile pues las lunetas costaban demasiado para el pueblo andino, para luego regresar y cantar a teatro repleto sin que a nadie le costara un centavo.

¿No es una cuestión de principios morales y éticos del artista cubano hacia su público no importa en qué latitud se encuentre? ¿Es que Carlos Varela ya no se considera seguidor de la llamada “Nueva Trova”? Me parece que ha olvidado cuáles fueron sus raíces y hacia dónde se dirige la cultura cubana: la inclusión de todos al conocimiento universal y su apreciación.

¿Por qué Formell ha aceptado tal oferta? ¿El dinero y el mercado por encima del pueblo?

¿Por qué el Complejo Morro Cabaña ha ofrecido tal oferta? ¿El dinero y mercado por encima del pueblo?

Esta acción, sin dudas, promueve de manera directa la crisis de valores que se observa a nivel planetario y en específico de Cuba, en el cual el modelo que se exporta es el de la fama, el dinero, el mercado y la prepotencia que es harto promovido por las casa disqueras en Estados Unidos. Espero que no se convierta en una moda que los conciertos en el Complejo Morro Cabaña le cuesten al cubano de a pie su salario mensual.

Latinoamérica y el mundo en las pantallas cubanas

2007-12-07T09:51:00.000-08:00

Frank Padrón

El Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano propicia algo más substancial que los preciados corales: la posibilidad de actualizarnos de lo mejor y representativo no sólo dentro de la región, sino, prácticamente, de todo el mundo.

Lo que triunfa o impacta en festivales, lo que la crítica de todas partes reverencia, a lo que el público extiende su cetro llenando las salas, puede apreciarse aquí, en nítidas copias, durante los diez días más agitados del año, cada diciembre.

Y esa contextualización trasciende lo específico-fílmico para desembocar en lo sociopolítico, y no sólo porque el cine, el arte todo, siempre lo sea.

Tomemos el caso del filme que inauguró, no sólo esta 29 edición del festival, sino las exhibiciones en América Latina: Redacted, de Briam de Palma, premio a la mejor dirección en Cannes este mismo año.

Fiel a un estilo versado en el pastiche y la alusión posmoderna, el mítico autor de Los intocables , bien se sabe, transita en sus personales homenajes desde el Acorazado Potemkin hasta el cine negro, y aunque a veces el tiro le salga por la culata (como en su anterior título, La Dalia Negra) hay que reconocer que, al menos en la puesta en pantalla, se trata de un verdadero maestro, magisterio que ahora vuelca en esta su singular incursión dentro del llamado mockumentary (falso documental) para recrear un suceso real: la violación y asesinato de una adolescente iraquí el pasado año por dos soldados estadounidenses.

Se vale de las más diversas fuentes para dar la impresión de que estamos ante una muestra del género, estimado por su presunta objetividad, y si bien le sobran imágenes, aun cuando la edición no haya sido todo lo cuidadosa que se esperaba o se abuse de algún recurso expresivo (la música, como de Réquiem mozartiano en la primera parte), estamos, sin lugar a dudas ante un testimonio conmovedor y harto elocuente sobre un genocidio que ahora mismo sigue indetenible, para lo cual las escenas finales (sí absolutamente extraidas de la realidad) actúan como “hago constar” de todo lo anteriormente visto.

Sobre lo propiamente competitivo, aún cuando el evento apenas llega a la mitad, ya ha habido más de un título esperanzador. La misma luna (Muestra Latinos en USA), de Patricia Rigen, que también aspira al coral en el apartado de óperas primas, vuelve al recurrente tema del exilio de la región a los vecinos norteños, desde la perspectiva ahora de un niño (como ya lo hiciera el chileno Sergio Castilla en 1998 con su bien recibido Gringuito).

Separados, un pequeño mexicano y su madre, que trabaja duramente como criada y niñera en Los Ángeles para enviarle dinero, protagonizan desde puntos tan distantes de la geografía (pero, mal que se quiera, unidos histórica y socialmente) una road movie donde Carlitos, sin que lo sepa su mamá (que puntualmente le llama desde una cabina a México cada domingo a las 10:00 a.m) parte por su cuenta al anhelado encuentro. Todas las vicisitudes inimaginables ocurren en el trayecto, como cualquier filme de carretera que se respete; la cámara alterna escenas de ambos puntos donde una vez más asistimos desde los intentos continuados de los mexicanos (léase latinos en general) por emigrar a las grandes ciudades estadounidenses, como los atropellos y conflictos que atraviesan desde la condición de ilegales, la cual (por otra parte) no es nada fácil de superar…

Un guión notablemente armado encuentra una puesta en pantalla donde, si bien no se trascienden los habituales accidentes de ese tipo de filme, encontramos una ágil narración, donde humor y dramatismo, no exento de ternura que elude las sensiblerías, se mezclan con tino y buen pulso; Kate del Castillo y el niño Adrián Alonso, encabezan un elenco que lleva a buen puerto los personajes.

Otra con no pocas posibilidades es Desierto feliz, una coproducción brasileño-alemana de Paulo Caldas, en torno al hastío, la soledad y la frustración de las prostitutas jóvenes en pueblos del interior de Brasil; la protagonista traza una parábola desde un perdido pueblecillo del nordeste (cuyo nombre aporta el del filme) hasta la majestuosa y fría (en todo sentido) Alemania; cierto: logra salir de la miseria, pero no de la pobreza espiritual, su vida sigue siendo vacía y sin sentido, lo mismo que el de sus compañeras que siguieron “ejerciendo” en su lugar de origen.

Más que de situaciones propiamente dichas, se trata de una película “de atmósferas”, y muy bien conseguidas están aquí gracias al lente minucioso, escrutador y sensible de Caldas, quien se apoya en una fotografía contrastante (ora brumosa, ora iluminada; ya íntima y cerrada, ya abierta y amplia) y en el notable desempeño de sus casi todas muy jóvenes actrices, donde descuella a propósito, el coral femenino del pasado año (Hermila Guedes, la de El cielo de Suely).

En tanto muestras del patio, optan por los premios algunos títulos: Camino al Edén, de Daniel Díaz Torres, quien desdramatiza un triángulo amoroso en la Cuba finisecular (siglo XIX) con no poca ironía y un tratamiento fotográfico que ayuda a la lectura peculiar de un hecho con resonancias históricas pero que se inscribe en la parcela íntima; y aunque no simpatizo con lo último de Fernando Pérez (Madrigal), sin lugar a dudas el jurado reconocerá más de un acierto en la poética de este original cineasta nuestro; La noche de los inocentes, de Arturo Sotto, que en su momento comentáramos desde estas mismas páginas, ofrecerá a los visitantes (y más allá de las virtudes y defectos puntuales del filme) la posibilidad de conocer uno de los realizadores de otra generación (posterior a Fernando y Daniel) con un quehacer desenfadado e imaginativo, algo que se perpetúa y adquiere otros matices, otras miradas, en un concursante aún más joven (que entra a la liza de óperas primas).

El cubano-boliviano Alejandro Brugués, egresado de la Escuela Internacional de Cine y TV en San Antonio de los Baños, y cuya pieza Personal Belongings (con más de un premio a su haber) cuenta con no pocas posibilidades de ganar.

Dedicado al 40 Aniversario de Viña del Mar (nuestra más ilustre cita fundacional del cine de vanguardia en América Latina) la 29 edición del Festival habanero sigue su curso en esta, su segunda y final semana. Invitados de lujo como Gabriel García Márquez, José Luis Boreau, Fito Páez o Javier Bardem, entre otros, pasean por nuestras bulliciosas calles y nuestros cines; las muestras internacionales, los seminarios teóricos y las actividades especiales siguen convocando público de todas partes del mundo.

La próxima semana ya hablaremos sobre los corales adjudicados, y haremos un balance sobre todo lo que dejó esta cita con el cine de todos los continentes.

El sueño de lo posible

2007-11-29T09:13:00.000-08:00

Este trabajo de investigación fue realizado con el estudiante de periodismo, Yessel Galbán Moreno.

Tras siete años de que los instructores de arte irrumpieran con alegría, creatividad y cultura en las escuelas del país, se impone la reflexión y el debate sobre su formación e influencia en nuestra sociedad. ¿Qué sucede en su proceso de aprendizaje? ¿Están preparados para enfrentarse a un aula después de cuatro años de estudio en danza, teatro, música y pintura? Sin dudas, es un noble proyecto que pretende no solo preparar más y mejor a los niños y jóvenes cubanos, sino que la cultura general integral penetre naturalmente en la familia, en los centros de trabajo, en los barrios como un acto elevado de espiritualidad humana. No obstante, al entrevistar a varios de estos “formadores de excelencia” uno de los puntos a relucir era precisamente su limitado conocimiento tanto metodológico como artístico. “Tuve profesores —nos cuenta Dick Manresa, egresado de la escuela de instructores de arte (EIA) 13 de marzo, del municipio habanero de San Antonio de los Baños— que nos exigieron para que fuésemos verdaderos profesionales. Pero cuando llegamos al final de la carrera, se descuidó lo pedagógico, por eso se graduaron más artistas que instructores de arte”. Lissette Atmeller, presidenta de la Brigada José Martí en el país, coincide en la poca preparación metodológica de varios de sus profesores para impartir las clases, no obstante “aprendí cómo se montaba una obra de teatro y compartí las experiencias de profesionales reconocidos en su hacer cotidiano”. Si bien es cierto que, según Victoria Velásquez, Jefa del departamento de Educación Artística del Ministerio de Educación, ya existen “más de tres mil profesores que laboran en los centros, unos 800 que son parte de la formación general y más de 2 mil de las cuatro especialidades, de ellos el 10 por ciento son miembros de la UNEAC”, surge la pregunta: ¿Existe realmente la preparación educativa del claustro que se enfrenta a diario con los instructores? ¿Acaso se han implementado acciones para comprobar la calidad de las clases? “Ya estamos trabajando y aplicando, comenta Velásquez, la tercera adecuación de los programas de formación de los estudiantes a partir del intercambio sistemático con los graduados. Por ejemplo, nos han pedido la extensión de la asignatura de elementos de orientación profesional de uno a dos años, pues cuando se vinculan a la práctica han sentido que le han faltado herramientas para impartir las clases”. La realidad revela que no es suficiente. Si bien, la joven instructora de plástica, Adis Castellano Martínez, reconoce el conocimiento adquirido al lado de excelentes profesionales de la cultura, asevera que “recibí un golpe muy duro cuando llegué al último año, al sobrecargarnos de técnicas e instrumentos para impartir una clase. Realmente el problema no fue el contenido, sino la desorganización de la teoría a la hora de impartirla. Para experimentar mejores resultados la cambiaban constantemente y con esa “renovación” nos confundieron”. “De todas maneras, comentó la especialista Victoria Velásquez, los educadores deben entender que desde el comienzo deben proporcionar una metodología a ese estudiante e inculcarle en su proceso formativo las herramientas necesarias, aunque sabemos que no siempre sucede así”. ¿Se realizó un análisis del verdadero impacto de la asignatura de elementos de orientación profesional? El problema no es tanto de la extensión en horas de un programa como de comprender que si están formando maestros, la preparación pedagógica no debería constituir un talón de Aquiles. Por otra parte, ¿Se efectúan visitas continuas y sorpresivas a las aulas para comprobar la calidad de las clases? ¿Son realmente efectivos los espacios de superación de los profesores (claustrillos)? Dificultades en la preparación Los instructores deben interrelacionarse con las Casas de Cultura para completar su formación como profesionales de las artes y de la educación. Karina Abreu, graduada en 1992 de la Escuela Nacional como profesora de danza, nos cuenta sobre sus experiencias con un grupo de jóvenes en el municipio de Plaza de la Revolución: “Llevo tres años, desde que se graduaron de la EIA, preparándolas pedagógica y técnicamente para mejorar los errores. Solo ahora es que veo los resultados. Creo que en las escuelas les enseñan lo básico para empezar a trabajar, y es por eso que tienen tantos problemas”. No obstante, Velásquez asegura que “estamos formando un bachiller en humanidades, es decir con una enseñanza humanística fuerte. Hicimos un programa para estos muchachos diferente a como se trabaja en un pre-universitario del país. Se diseñaron programas de Español, de Literatura, de Cultura Política, de Historia, de Pensamiento de Martí y de las especialidades artísticas, para asegurar la integralidad”. Cuando realizamos lo que se denomina como “grupo de discusión” con 8 alumnos de la EIA “Eduardo García Delgado” en Ciudad de La Habana, de los cuatro años y especialidades (danza, teatro, música y plástica) manifestaron conocer y disfrutar la música cubana. Sin embargo, no conocían pilares de la cancionística de la nación como Barbarito Diez, Benny Moré y Rita Montaner. Asimismo todos tararearon el ritmo del regguetón, a Haila y a Eddy K, por ejemplo. Aunque negaron el valor musical del primero, no articularon argumentos convincentes, ni pudieron fundamentar por qué el músico alemán Beethoven formaba parte de la música clásica mundial. En artes plásticas, solo se habló de las obras de Kacho (quien ha visitado el centro con anterioridad) y de Carlos Enríquez. No conocían ni a Romañach, ni a Arche, por mencionar solo dos artistas. Al pasar al tema de literatura, plantearon que habían leído la Ilíada, de Homero, Romeo y Julieta, de Shakespeare, y el Decamerón, de Boccaccio, pero son obras que se estudian en el programa de español- literatura que se imparte en la escuela. No conocían el insigne poema El Himno del Desterrado de Heredia ni hablaron de textos de Guillén, Casal o Carpentier. Al indagar sobre la formación en valores humanos en las escuelas, la Jefa del departamento de Educación Artística del Ministerio de Educación dijo que “Es de prominencia social y hemos diseñado un programa para la formación de valores con cierta creatividad, pues contamos con las cuatro manifestaciones artísticas. Claro, que parte también de la ejemplaridad del profesor y de los espacios que la escuela le dedique”. “La cantidad de elementos que sensibilizan una obra artística, de teatro, de música permite la conformación de valores como la honestidad, la responsabilidad consigo mismo y con las nuevas generaciones, la incondicionalidad y el patriotismo”, apuntó Victoria Velásquez. Al realizar la misma pregunta en el grupo de ocho instructores entrevistados, reconocieron la falta de profesores en asignaturas que estudian y analizan el tema como la Cultura Política y el Español. Formadores de excelencia El Comandante en Jefe Fidel Castro en su discurso en la primera graduación de las EIA trazaba cinco objetivos fundamentales: El desarrollo de talleres de creación y apreciación con todos los alumnos del centro escolar. La atención a grupos y unidades artísticas de aficionados. La preparación técnico-metodológica del personal docente. La labor promocional de la cultura artística en la escuela y el mejoramiento del entorno de la escuela. Y además aseveraba que: “Con la llegada de los instructores de arte se consolida la escuela como la institución cultural más importante de la comunidad. Se proyectará más allá de la institución escolar y dependerá del vínculo con el resto de las instituciones culturales y sociales de la comunidad”. Para Lisette Ametller, presidenta nacional de la Brigada José Martí, la función de los instructores de arte es incrementar el amor por lo autóctono y ofrecer una especie de guía a los muchachos a la hora de preguntarse por su sentido de la vida y además, “ofrecer herramientas que demuestren que el talento e ingenio también existen dentro del pueblo, no entre exiguas minorías”. Asimismo, cambiar la visión de los futuros profesionales del país es el propósito de Yohania Leal, egresada de la especialidad de teatro: “No quiero que aprendan solo de artes escénicas, quiero que sean adolescentes que puedan hablar de cualquier manifestación y lo vean como un todo: la relación del atrezo del teatro con las artes plásticas, o la del ritmo de la música con la elegancia de la danza… en fin con la vida”. Los instructores aspiran a fusionar conocimientos académicos con el arte. “Mi maestra me ha enseñado mucho,” dijo Yaiquel, un alumno de quinto grado. “Me gusta pintar la figura humana porque es la más compleja. Dibujo los músculos y los huesos a partir de ejes imaginarios y después les doy los claro oscuros”. Con esta perspectiva “se ha trabajado con los estudiantes desde la práctica pre-profesional, asevera Velásquez. Ellos van una semana en primer año a las escuelas, en un proceso de familiarización, de reconocimiento de las escuelas y la comunidad. Asimismo realizan un diagnóstico sociocultural. En segundo y tercero, se incorporan por un periodo mayor y en cuarto permanecen desde enero hasta abril y realizan su examen final”. De todas maneras, una sugerencia sería que los instructores estuvieran un periodo mayor en las escuelas durante sus prácticas, no con el propósito de impartir clases, sino en la interrelación con los niños y jóvenes, y principalmente con los profesores de más experiencia. Que observen cómo se prepara e imparte una clase y los objetivos que se persiguen en la enseñanza. A pesar de los obstáculos enfrentados en un principio por Lisandra Figueroa, instructora de danza de la escuela primaria Pedro Nolasco Monzón, en el municipio de Madruga, cree que su experiencia ha sido fructífera porque logró incorporar a su taller a casi todos los estudiantes de la escuela en la cual trabaja. “También ha aumentado la cantidad de niños que se incorporan a la Casa de la Cultura, la participación en los concursos y actividades culturales. Además, hasta los padres me tienen cariño, y eso es lo más importante para mí”. “Con mis alumnos he logrado un cambio total”, afirma Adis Castellano, “trabajan el dibujo con un objetivo y no como un entretenimiento. Se hace evidente el mejoramiento del gusto estético. Incluso, educan a la propia familia cuando llegan a sus casas, porque comienzan a hablar de obras, técnicas y colores, y entonces obligan a los padres a empaparse del tema”. Yudelsis Frómeta, instructora de danza de la escuela primaria Reynaldo Díaz en Centro Habana, ya organizó un cuerpo de baile que ha participado en todos los Festivales de aficionados a nivel provincial y asegura: “En este año llegaré a la nacional, eso me lo piden a diario tanto los niños como sus padres, me siento comprometida con ellos”. “Estamos contentos aunque no satisfechos con el resultado de los instructores de arte, afirma Victoria Velásquez. Hemos sido los primeros críticos del programa y con lo que hemos estado haciendo. Tenemos una alta responsabilidad porque hablamos de formar 30 mil instructores de arte en todo el país. Te convido a creerme cuando digo futuro Los fines en la educación deben fundirse indisolublemente a la dimensión universal del hombre, tanto en lo individual como en su acción y vinculación con la sociedad. La cuestión, entonces, es cómo llevar el mejor y verdadero arte a la comunidad y que de ahí surjan las expresiones más verdaderas y sublimes del espíritu humano. A pesar de los problemas económicos por los que atraviesa el país en la actualidad, muchos de los instructores rebasan esta barrera y se las ingenian para cultivar cada día el gusto estético de sus alumnos: “Rompemos sábanas, buscamos cartón en las bodegas, usamos los equipos de música… hacemos todo lo que esté a nuestro alcance para ver desarrollar en nuestros niños la vocación por las artes”, así nos relataron algunos de nuestros entrevistados. “Al principio tuve que escaparme con ellos para los naranjales — nos relata la egresada de la EIA Eduardo García Delgado, Cindy Vallejo, quien preparó su tesis de grado con niños de la Enseñanza Especial—, “revolcarme” en la hierba, jugar a las casitas, e incluso, disfrazarme de payaso para lograr que me vieran como una amiga y poder preparar la obra. Pensaba que iba ser imposible, pero al final, valió la pena”. Ante el desafío proclamado por Fidel el 20 de octubre de 2004 al expresar que: “Cuando en el futuro hoy incierto de la humanidad se hable de revoluciones y de cambios sociales verdaderamente profundos e indelebles, nadie podrá olvidar la obra que aquí nos reúne”, Cindy Vallejo se prepara para su primera experiencia como profesora artística. Pretende transformar la escuela: planea no solo montar obras, talleres de artes plásticas, de música y de danza, sino crear exposiciones e incorporar a los niños a la sociedad. “Será una buena experiencia como instructora de arte y como persona porque intentaré cambiar la mentalidad de esos niños y de sus padres, es el sueño de lo posible”.

Ciudad Cotidiana

2007-11-20T12:25:00.000-08:00

Quisiera compartir con ustedes algunos de mis versos. Les prometo que pronto aparecerán poemas de jóvenes con inquietudes de intercambiar su quehacer con los demás.

Solo observo tus fantasmas. Los he visto sobre altos pastos y grietas que cubren sombras de mi cuerpo. Se convierten en misterio luego del diluvio en pueblos árabes, noches de estrellas náufragas y efigies desnudas de raíz, seres suculentos por oro y joyas tenebrosas, pájaros de aguas dulces y agobiantes, musgos salivantes y magullados de espera. Los fantasmas son paisajes cerrados, terrenales, abismales; tristes areitos para almirantes y viudas. En el castillo nacen puertas sobre ojos de triángulos trocados por la sal; al borde, la última piedra dejada a difuntos en la oscuridad de lo prohibido, lo tácito o lo oscuramente bello y la lógica de las hontanas perdidas. Allí surge la inmortal aquiescencia, hojas derretidas, turbias del viento, pasos de pájaros lustrosos, concursos de cuerpos y nombres. Gritos fueron sueños de amantes, los sudores su agonía en el espanto de un lecho oculto o el secreto de cartas leídas durante siglos; fueron respuestas inexistentes, rosas abiertas por una línea fina, serpenteando gritos y silencios, empozadas las joyas en espejismos enajenados por almas que revivieron cartas de este olvido, la simple dialéctica del hombre “Oscuro”.

La infancia pereció en manos de dioses. No existieron sentencias ni culpas inmortales, ni sueños de hombres trenzados por pulpas y caraicas de selvas; aladas las sustancias y los bornes de las puertas, retazos pulcros del mendigo, su muerte y entierro, lágrimas de cinceles y herrumbres, el golpe seco, áureo de espinas; órdenes de generales en mapas del tiempo, secuelas, bombas, el intestino, la sangre sobre hojas y signos del laberinto, túnel deshabitado por hechiceros, pitonisas del peligro y silencios. Los fantasmas surgieron ante el odio de dioses y por la inmortal aquiescencia de los hombres.

III

No siempre se desea morir en el vientre de la bestia. No siempre fuego, saliva y palabras recuperan el escudo del misionero como tiniebla de párpados. La música en tu oído, la nota fugaz de tristes penetraciones y gemidos, caracol sobre estrellas perdidas despedazadas por moho y azufre, resurrecciones de aguas, homicidio apoyado por la ubicuidad de espejos, su culpa bajo aquellos silencios que hallaron lo inevitable. Tu ser, sustancia líquida de asustadas églogas, residuo ancestral de fantasmas, mis enigmas revestidos de aves taciturnas y plomizas bajo cielo de dos puntas dibujados al oriente de la tierra árida, grieta cercada por marasmos y héroes inadvertidos por la historia, gloria anhelada por siglos; esperanzas, la muerte viaja tan cerca como la vida en pantanos, el musgo desahuciado por raspaduras de peces. Los peces son cuentos de niños que juegan en la arena, dibujan castillos, previenen diluvios de sus generaciones anteriores, no se detienen en proclamar lo deshabitado, lo torpe, disturbios de dioses que ya no existen en sus cabezas, la peonza rueda sobre libros, deshaciéndolos con la cuerda áspera que perturba el sueño, él fue declive de aguas en voces de poetas, pipirigallos y sombrillas despertaron en versos, lo hallado fue indiferente, tormentas lo robaron todo: amor, sexo, ruidos; el polvo sobre ojos de párvulos y el amor, y el sexo y los ruidos, robaron joyas de nubes lloviendo nostalgias y el amor y el sexo y los ruidos, en ojos de insectos y linternas fue el salivazo en la acera.

¿Leamos más? (Primera parte)

2007-11-18T14:04:00.000-08:00

Me preocupa el lema que hace meses el Instituto Cubano del Libro proclama a viva voz: leamos más porque puede ser una propuesta ambigua y a la larga dañina para el movimiento cultural cubano. Cuando recorrí los estanquillos en los cuales se venden libros, no existe una relación plausible entre cualidad y calidad.

Leamos más, pero leamos mejor y con sentido crítico, reflexivo y holístico, es decir la vinculación entre las representaciones del mundo que nos brinda el saber humano y la aplicabilidad en la cotidianeidad de ese conocimiento. En resumen: la añeja problemática de la relación entre teoría y práctica.

Libros de cocina, autoayuda, historietas para niños y escritores casi desconocidos y de escasa relevancia inundaron el Festival de la Lectura y el Libro organizado por las universidades en todo el país. Solo encontré algunos clásicos de la literatura cubana y universal como Alejo Carpentier, Francisco de Quevedo, Manuel de la Cruz… y nada más. También hallé ciertos textos interesantes sobre crítica de arte y científica que sin dudas, permiten al lector un mejor enfrentamiento a su realidad social.

¿Qué interrelación existe entre calidad y cantidad? ¿Acaso se apuesta a que los individuos consuman muchos volúmenes sin saber cuál es el sentido y el fin de ese acto de espiritualidad?

En efecto, ¿Cuál es el fin de la lectura? Pienso que la formación de valores morales como la amistad, la solidaridad, el amor, la libertad, y además el disfrute y la fruición por la creación humana. ¿Realmente todos los libros que invaden los actuales estanquillos cumplen esa función social?

Sugiero la necesidad de revisar la sentenciosa frase leamos más y se busque un equilibrio entre los libros llevados a la venta y los textos que de alguna manera permitan alcanzar al lector una cultura general integral: leamos más y mejor.

La idea del Apóstol José Martí de ser cultos para ser libres significa un deber con la transmisión del saber humano hacia todo el pueblo, con el fin de construir una sociedad mejor, pero hace falta un pueblo realmente instruido que pueda defender sus criterios con argumentos sólidos y definir sus acciones ante un mundo en que el dinero, el poder y la mediocridad inundan el mercado actual de la literatura.

Reflexiones al margen

2007-11-16T12:17:00.000-08:00

Cuando penetramos en un cuarto totalmente oscuro, pero que reconocemos como el nuestro, no importa si nuestros sentidos se puedan hallar un tanto extraviados, siempre que podamos reflexionar y verbalizar acerca de la estructura actual del mismo, sabremos a cada instante en qué lugar exacto de la habitación nos encontramos, aunque no cabe duda que podemos equivocarnos. Mas, ya sea por un olor específico o solo por el roce de los dedos con alguno de los muebles, rápidamente se mezclan los sentidos, el pensamiento y el lenguaje, ahora sonreímos como un niño que recordó un pasaje agradable de su corta vida y afirmamos: Estoy seguro que este es el clóset de la habitación, me encuentro en la sección derecha del cuarto y pronto llegaré a la cama.

El hombre posee la capacidad de razonar y de percibir el mundo que se le presenta, no obstante, a pesar que pudiera ser discutible, la conexión entre pensar y sentir la realiza el lenguaje y en un sentido más amplio, la comunicación. Este experimento mental lo escribió el prominente pensador alemán Inmanuel Kant en un ensayo titulado ¿Qué significa orientarse en el pensamiento? en el año 1786. Kant confía tanto en el poder de la razón que reafirma que si de pronto un amigo nos cambiara la disposición del habitáculo a manera de broma, solo haría falta la representación en nuestra mente del cuarto para enseguida volver a orientarnos y descubrir el engaño. Pero, si no verbalizamos el pensamiento ¿Podríamos llevarlo a la acción? ¿Podríamos comprender nuestro propio pensamiento?

Es decir, tenemos la necesidad de interrelacionarnos con los demás y con el mundo que nos rodea para reconocernos a nosotros mismos, ya sea a través del lenguaje, de señales de humo, de una máquina cibernética o mediante una actividad transformadora como es el trabajo. Casi siempre que estamos pensando o percibiendo “algo”, ese proceso de aprehensión, lo hacemos de manera dialógica, por tanto una manera de ser mejores seres humanos y de construir una sociedad solidaria, justa y libre es desarrollando una comunicación alejada de distorsiones o manipulaciones: una comunicación emancipatoria del sujeto social.

La vida y el tiempo me han ayudado a hacer la guardarraya

2007-11-15T12:21:00.001-08:00

Cuando Apolo y Esculapio se abrazan para dar vida a un hombre como José Luis Moreno del Toro, entonces todo queda salvado y cantado. No hay más que verle en pantuflas y pulóver recomendando buenos libros y hablando sobre Martí y Lezama. Las paredes de la casa cuentan su pasado y presente: un cuadro firmado por René Portocarrero, una foto junto a Silvio, otra abrazado a Juan Gelman, un gallo de Guayasamín, un caballo de Gilberto Frómeta, y así se debate entre sus locuras y fiebres de poeta y el rigor vivificador del bisturí; eso sí, su risa rompe la solemnidad en dos y más que una entrevista o las largas y agradables conversaciones que he tenido con él, se convierte en un aprendizaje.

La poesía contemporánea ha sido calificada de hermética, inentendible, poco fértil y ávida de oxigenación de nuevos estilos y poetas. ¿Es válida esta afirmación?

─Parte de la poesía que se escribe hoy en día es así como dices, pero en Cuba se hace múltiple poesía: diáfana, directa. Hay un resurgimiento de la décima, que no es hermética. Un ejemplo es el Premio de Poesía Nicolás Guillén (se levanta y rápidamente se acerca a su gran tesoro: una enorme biblioteca de donde saca un libro) “Manos a la Obra” de Sigfredo Ariel. Creo que no es siquiera una corriente de mayor o menor fuerza, aunque haciendo un poco de historia, la influencia y culpa de estos adjetivos se le achaca al grupo “Orígenes”, pero el tiempo ha demostrado que no es cierto.

El más hermético, Lezama, los años demuestran que la poética de él buscaba afianzamiento de lo cubano, de lo martiano, de la Patria contra una República mediatizada surrealista. Pero poesía contemporánea no son solo los poetas jóvenes sino la vigencia de esta. Contemporáneo es Cintio Vitier, José Martí, Julián del Casal. Nadie es dueño del tiempo.

La poesía erótica está muy de moda entre los cultivadores de este género en Cuba. ¿Cree que este sitio se vuelva común o nos mostrará otra arista punzante en nuestros tiempos?

─El erotismo en la poesía viene desde Safo, es tan vieja como la misma poesía. Es verdad, que tiene etapas de apogeo, pero no es que esté de moda, hay momentos en que sale o no a flote. A finales de los años 70, la poeta Gioconda Bell (nicaragüense), su libro Premio Casa de las Américas, fue calificado de muy erótico, aunque estaba revestido por el amor a la Patria y la situación de guerra en Nicaragua.

El erotismo es una forma de expresión. Hay antologías poéticas eróticas que datan del siglo XVIII; Martí tuvo momentos de gran erotismo. Simplemente no está de moda, aunque haya quien se las da de erótico para estar precisamente en esa moda y sus poemas dejan el lirismo a un lado.

Una vez José Luis Moreno me dijo que su primer libro lo había cambiado pues era su primer intercambio con el público y sabrían que pensaba, que escribía. Para él ese momento fue crucial, pero no quería hablar de un último libro, o poema, o verso, porque hasta que no muriera no dejaría de escribir y de seguir transmitiendo cosas que sentía y quería compartir, por esto tiene seis libros de poesía y su más reciente Agualuna de Otoño tuvo su presentación el 26 de diciembre del pasado año en el Instituto Cubano del Libro.

Según las últimas críticas, en su libro Cántigas Salvadas del año 200, usted muestra su madurez como poeta y acierto lírico. ¿El tiempo y la vida han influido o hay instantes de inspiración voraz?

─Si he llegado a la madurez es un momento de tristeza porque lo que queda es podrirse o morirse; no hay nada que escribir. La vida montada con el tiempo influye, no es lo mismo 7, 20, que 70 años, influye en cosas buenas y malas; no quisiera madurar, prefiero seguir desarrollándome, tener el horizonte enfrente. La vida y el tiempo me han ayudado a hacer la guardarraya. Al principio muchas influencias y aún las tengo, pero ahora con estilo propio.

Quisiera tener más tiempo para seguir escribiendo. Sigo intranquilo tanto cuando termino un poema como cuando no lo hago. Si se muere ese duendecillo inquieto que me inspira no puedo hacer poesía, he muerto.

Es conocida su amistad con algunos escritores del grupo “Orígenes” como Lezama Lima y Cintio Vitier. ¿Han influido en su poesía? ¿Qué influencias tiene o tendrán en los poetas actuales?

─Si quieren tener buenas influencias que se acerquen al grupo “Orígenes” o a Regino Pedroso o a Félix Pita Rodríguez. Me acerqué a “Orígenes” porque me parecieron interesantes estos escritores, me atrajeron los libros de Lezama, de Eliseo Diego, que en el primer momento no los entendía, pero me gustaban. En este grupo no solo hubo poetas sino escultores, pintores; Lezama decía: “Es un taller renacentista”.

Lamento no haber podido aprovecharlos aún más, pero también hay influencias de Ernesto Cardenal y Juan Gelman. Con “Orígenes” tuve más contacto que con los de mi propia generación. Las generaciones son más de conceptos que de tiempo.

Alrededor de la vida de Lezama Lima se esgrimen secretos y sortilegios que no se saben si son ciertos o no. ¿Algún día se propone escribir acerca de sus conversaciones con Lezama?

─Algunos de esos sortilegios como le llamas están escritos en mi libro inédito “El paciente impaciente. Mi amistad con Lezama”. En un capítulo están las últimas horas de Lezama, el único que puede hablar y saber exactamente que pasó soy yo, como sabes salió un artículo de Bianchi hablando de este tema y dio varios datos inexactos, creo que salió en Juventud Rebelde.

El otro capítulo habla sobre el Curso Délfico en el que se ha creado un mito y otro sobre “Tanatos” en las páginas de “Paradiso”. Apareció un libro de la mitología de “Paradiso” de Margarita Mateo Palmar llamado: “Paradiso: la aventura mítica “.

Un teléfono inquieto interrumpe nuestra conversación. Se hace presente dos veces más. Entonces apuré la pregunta.

Usted dijo: "Lo terrible no es perderse en el tiempo / sino / encontrarse en el olvido." ¿Piensa que lo peor sucedido a un hombre es que al final de su vida enajenada y poco apasionada sea esta causante de un olvido atroz?

─Pobre del ser humano que nadie lo recuerde o al menos una persona. Mi gran y mayor ambición es ser un hombre útil y desearía que dos o tres personas no me olvidaran... para bien o para mal. Esa frase no la hice con el fin universal sino dirigido a una mujer, a una relación amorosa. Hice un juego de palabras a ese comodín de cuando se quiere establecer una relación y te presentan una evasiva y se van.

El tiempo nunca se pierde, cada nueva experiencia es un aprendizaje. Lo terrible es pensar que una experiencia no va a servir para nada.

Según usted, cada vez que entrevistan a un poeta, se piensa que dirá frases trascendentes, originales, poéticas; pero el poeta se debe querer por lo que escribe, no por lo que pueda decir. ¿A qué se debe esta opinión?

─Opino que ser poeta es ser un elegido, pero se piensa que él tiene un carcaj lleno de estrellas que ilumina el Universo. El poeta es una persona como otra cualquiera con la cual se sostienen conversaciones normales. Por favor, no le pidan siempre que ilumine el Universo con frases originales, eso no se logra tan fácil, el polvo de estrellas se prepara en una conferencia, en una lectura, en un libro.

Fayad Jamís, un poeta de circunstancias

2007-11-15T11:43:00.000-08:00

Es trascendental para la cultura cubana que la fiesta del libro y la lectura no solo invada las aulas universitarias en todo el país, sino que en centros de trabajo, la esquina de cualquier barrio o en las paradas de la guagua, observemos a algunas personas leyendo ávidamente. Ya no solo debemos pensar y preocuparnos en cuánto leemos, sino en su calidad y su variedad en las diversas ramas del arte y el saber humano, con el objetivo de alcanzar un individuo más culto y más libre. Pero, me pregunto: ¿Han aparecido ediciones recientes del escritor Fayad Jamís para que tanto los jóvenes como los que ya no lo son puedan compartir una visión renovadora de la literatura?

Jamís dedicó versos de una extraordinaria belleza y profusa reflexión a la Revolución de 1959, como Por esta libertad que le valió el premio del tercer Concurso Casa de Las Américas. Reformó, con sus ocho poemarios, las concepciones de la corriente coloquialista e influyó en las nuevas generaciones. Ha sido considerado como uno de los intelectuales imprescindibles en cuestiones estilísticas e imaginativas en la historia de la poesía cubana en el pasado siglo.

Según el prominente ensayista mexicano Alfonso Reyes el estímulo de tipo literario es una lectura de asunto filosófico, social o mitológico. El autor de El ómnibus y la ciudad, en el poema Cuerpo del Delfín que aparece en el libro Los Párpados y el Polvo (1954), se evidencia ese estímulo verbal, ambulatorio, onírico y emocional con el fin de mostrarnos una nueva perspectiva: la transformación de la poesía (y la idea) en la realidad concreta: En el palacio de la memoria, en el humo del cuerpo,/ una palpitación extraña, un remoto aleteo:/la sombra roja de un delfín entra suavemente.

Comienza la batalla con lo que él denomina “la eternidad” y enuncia una cuestión vital: ¿Existe la trascendencia entre la vida y la muerte? ¿Seremos materia o “polvo de estrellas”?: Un delfín muerto no importa nada, lo mismo que una hormiga./ El delfín y la hormiga son realmente dos monstruos, pero no importan nada.

A pesar de que Jamís emplea metáforas e imágenes en los que se mezclan los juegos del delfín con las ciudades y las aguas con el pasado, narra sus sueños, insomnios e intenta comunicarse con el lector: Tú y yo estamos aquí, entre el mar y la ciudad,/miedosos del mar y la ciudad,/amando el mar y la ciudad,/y olvidando el mar y la ciudad por temernos y amarnos /y olvidarnos a nosotros mismos.

Este diálogo descubre su intimidad cuando el escritor pregunta incesante: ¿qué cuerpo es más durable que la espuma?,/ ¿qué arrecife salta más arriba que la espuma?,/ ¿qué templo es más inmóvil que el templo de la espuma?.

Es decir, aprovecha la oportunidad de imaginar un mundo creado por la metáfora y lo real. La poesía es su piel, pero escapa porque es el “ave de eternidad”. El escape hacia un lugar que el propio autor no enuncia, pero se entrevé: un infinito de expresiones y vivencias: Tú no me oyes, y yo quiero dormir:/ quiero soñar que un furioso delfín rompe de pronto tu sueño, eternidad.

El poeta se acoge al tono conversacional, con un principio social en la forma de expresión. Si bien el texto gira alrededor de la imagen y los símbolos, siempre aparece una dosis de comprometimiento con la sociedad, de la cual no se quiere desprender y emplea el tú, yo y nosotros como si deseara hacernos cómplices en la lectura, no la soledad del ermitaño.

Fayad Jamís es un literato que al enfrentarse a su realidad, invita no solo a leer más, sino con la seriedad y agudeza que amerita ese acto de espiritualidad humana. Y lo realiza a través de sus inquietudes poéticas y personales, apoyándose tanto en el coloquio como en lo metafórico, sin olvidar ni la universalidad del verso ni la cubanía que lo trasciende.

La corriente conversacional, al decir del escritor y pintor, no es la reproducción simple del habla común sino la oportunidad de dialogar con diversas generaciones a lo largo del tiempo. El destacado intelectual Roberto Fernández Retamar afirma que aquí no se escribe como se habla, pues es una entidad lingüística que “lleva a un tipo de expresión que viene a ser como una especie de parodia de alto estilo, para obtener así un lenguaje poético disfrazado de conversación”.

Fragmentos del POEMA “CUERPO DEL DELFÍN”

Oh cuerpo mío, niña mía, oh ave,

¿qué soy sino tu sombra mecida y coloreada por la sangre?

Para tu luz inmóvil, ¿qué es ayer, qué mañana?

¿Miras? Ni la nube ni el barco sumergen sus cenicientos vientres.

Ave mía, ¿me miras?

Yo soy un árbol rojo sobre el muro.

Allí las fría ciudad, allí las frías aguas; y entre la fría ciudad y las frías aguas,

entre los días y los días,

Tu dorado cristal, tu sueño inmóvil, tu silencio.

Y mi cuerpo de árbol, mi crujido de árbol, mi paciencia de árbol,

frente a tu hielo

Pero tú no me oyes, y yo quiero dormir:

quiero soñar que un furioso delfín rompe de pronto tu sueño, eternidad.

La universalidad de un genio: Francisco Albear

2007-10-19T11:41:00.000-07:00

El agua presurosa se extiende, a través de canales y tuberías, por todas las barriadas capitalinas y no las inunda, como podía ocurrir hace 2 mil años en el río Nilo, en Egipto. Con precisión, minuciosidad y maestría arquitectónica, el Acueducto de Albear ha permitido, durante doce décadas, la llegada necesaria, plácida y lúdica de los manantiales de Vento a las casas habaneras.

¿Debemos agradecer a Francisco de Albear únicamente la creación de la singular obra ganadora de la Medalla de Oro en la Exposición Universal de París en 1878, considerada como de las más relevantes del Siglo XIX a nivel mundial? El historiador e investigador Rolando García Blanco, en su volumen titulado Francisco de Albear: un genio cubano universal publicado en el presente año por la Editorial Científico-Técnica, deja abierta la interrogante y con la recogida de cartas, notas y libros de la época nos introduce en la vida y obra ecuménica de este talento de la ingeniería latinoamericana.

García Blanco, Premio Nacional de la Academia de Ciencias en Cuba (2002), describe no solo los encrucijadas y problemas que matizaron la construcción del acueducto, sino la fuerte formación académica de una figura que vivió intensamente su trabajo y alcanzó múltiples reconocimientos. El prominente arquitecto nació en el Castillo de los Tres Reyes del Morro en 1816 y siguiendo la tradición militar familiar cursó estudios en la Academia del Real Cuerpo de Ingenieros, en España.

Tanto en el país ibérico como en Cuba se destacó como proyectista por su profesionalidad y rigurosidad técnica en la creación de puentes, carreteras, faros y calzadas, por lo que llegó a ser, con el grado de teniente coronel, el encargado de la obras de la reconocida Junta de Fomento en la Isla.

El destacado ensayista afirma además que Albear “contribuyó a la realización de unas 200 obras de beneficio social, entre ellas: el Cementerio de Colón, la ampliación de los muelles de la capital y el Teatro Esteban (Sauto) de Matanzas”.

En 1861 —precisa también en su libro el Doctor en Ciencias Históricas— el insigne arquitecto realizó el primer proyecto de malecón habanero “de 16 metros de ancho y 1500 de largo, entre el Castillo de la Punta y la calzada de la Infanta, su diseño elevado impediría que el mar penetrara al producirse el paso de fenómenos meteorológicos”.

En el texto biográfico aparecen fotos, cartas y dibujos de la mano del propio Albear que revelan su personalidad, y la rigurosidad de su labor. García Blanco reflexiona que como ingeniero impresionan “su asombrosa precisión en los cálculos, la valoración de las cuestiones económicas y las decisiones ante alternativas, como se evidenció en el Proyecto de conducción a la Habana de las aguas de los manantiales de Vento en la red de distribución y la definitiva ubicación del depósito”.

El proyecto del acueducto, iniciado en 1861, fue bien ambicioso para la época y de hecho, según los datos del mismo creador, se equiparó con las realizadas en Londres y París. No obstante, la empresa demoró 30 años en su capitalización, primero a causa de la Guerra de los Diez Años y después por la convulsa historia política española y sus crisis económicas.

Al comparar el sistema de abasto de agua de La Habana con otras ciudades del mundo, García Blanco analiza las ventajas en la “no dependencia de las naturales y periódicas variaciones de los ríos, la prescindibilidad de grandes depósitos de reserva, la gran capacidad del canal, la imposibilidad de que sus aguas pudieran mezclarse o que alguien pudiera perjudicarlas”, entre otras.

El Acueducto de Albear, a más de una centuria de su construcción, permanece como una de las obras arquitectónicas impresionantes no solo de Cuba, sino del mundo. La visión humanística (pues además escribió poesía) y técnica de su creador lo condujeron a escribir: “El ingeniero crea, mejora y conserva; y donde quiera que fija su mente nace un pensamiento bienhechor, o una obra útil a la humanidad”.

¿Un nuevo “Regalo” de Pablo Milanés?

2007-10-18T09:56:00.000-07:00

Con el nuevo disco “Regalo”, Pablo Milanés presenta su propuesta al mundo musical después de sus Pablo Querido, Querido Pablo y Como un grano de maíz, pero me surge la pregunta: ¿Más de lo Mismo?
Las canciones de Cómo… transcurren casi sin emociones, con palabras que se repiten monótonamente como nostalgia, soledad, melancolía, entre otras. Y la música, por otra parte, recuerda a algunas anteriores que fueron éxito como “Yolanda”, “El breve espacio en que no estás” o “Mis 22 años”.
Milanés siempre se ha caracterizado por su seriedad, preocupación y belleza en sus producciones, pero quizás se sienta cansado, tal vez habrá que preguntarle sobre su manera de hacer y pensar la música, no de carácter formal sino de contenido.
Debemos esperar a la salida de Regalo, puede ser que Milanés nos sorprenda con algo fresco, maduro y nuevo, aunque con el recital ofrecido en el Teatro Nacional de Cuba en el mes de agosto y la pobre propuesta de tres de sus nuevas canciones, mi escepticismo aumenta y reafirmo que quizás sea más de lo mismo. ¿Y usted que cree?

Che con la pluma en ristre

2007-10-07T12:10:00.000-07:00

La historia del mundo ha transcurrido quizás como un resorte, una espiral de fuego en que la llama en ocasiones retrocede, se detiene y en otras avanza sobre su propia huella. Pero en ella está el hombre con los recuerdos, el tiempo, su quehacer y sus ideales, que para algunos es “el desarreglo de los sentidos y la razón”, y para Ernesto Guevara es la posibilidad del Ser de alcanzar su libertad plena mediante la revelación poética del deber hacia los demás y hacia su propio sentido de la vida.

El Che no solo fue un poeta del sueño cuando escribió El Socialismo y el Hombre en Cuba (una reflexión original sobre el sujeto nuevo que se pretende construir) sino que durante su estancia en México entre 1954 y 1956 dejó alrededor de nueve poemas que lo convierten en un cantor del porvenir y de las complejas circunstancias que lo rodeaban.

Guevara asume en el poema Despedida a Tomás un compromiso con el pasado y su inconformidad con el presente: “Un día, aunque mi recuerdo sea una vela/ más allá del horizonte/ y tu recuerdo sea una nave/ encallada en mi memoria,/ se asomará la aurora a gritar con asombro/ viendo a los rojos hermanos del horizonte/ marchando felices hacia el porvenir”.

Para él “la fórmula es sencilla”, pero sin dudas exige la responsabilidad y solidaridad del individuo hacia su prójimo: “No te ocupes del cerco, ataca el arrecife,/ une tus manos jóvenes a la piedra anciana/ y dale en tu pulso a los rojos corales palpitantes/ en diminutas ondas cotidianas”.

Aunque en la breve poética del Guerrillero Heroico no aparecen grandes imágenes o metáforas, sino que se refugia en la palabra directa, en el no subterfugio de la idea, era un conocedor de los textos simbólicos de los franceses Charles Baudelaire y Arthur Rimbaud que le fueron leídos por su madre en la infancia, y además tuvo la decisiva influencia de las obras del chileno Pablo Neruda y del peruano César Vallejo.

Para el prominente ensayista y novelista Mario Benedetti fue una “poesía trunca”, pues su conocido deseo por la revolución latinoamericana limitó el perfeccionamiento y dedicación al verso, que tal vez lo hubieran convertido en un destacado intelectual y en un renovador de las letras hispanas.

No obstante, permanecen los textos con una extraña mezcla del profundo pensamiento marxista que lo realimentó toda su vida y una inspiración onírica que lo trasciende: “Canto al nuevo grito de tu garganta sonora,/ al hondo retumbar de las piedras solemnes/ Va el canto hacia los hijos que defienden tu suelo/ con los firmes morteros de los rifles del pueblo”. Y se pregunta una y otra vez en el poema El Nilo: ¿Alguien puede afirmar sin sonrojarse/ el triunfo de la fuerza sobre la fe del hombre?”

Cuando el Che escribe sus versos, ya ha realizado aquel mítico segundo viaje por Latinoamérica, en el cual aumenta sus experiencias e intercambio con la población pobre y excluida de esa región y ha vivido en Guatemala una importante experiencia con el derrocamiento del gobierno popular de Juan Jacobo Arbenz que lo hicieron afirmar: “para ser revolucionario, lo primero que hay que tener es una revolución. De nada sirve el esfuerzo individual, la pureza de ideales… si ese esfuerzo se hace solo”.

De alguna manera, esta reflexión se manifiesta en su texto Autorretrato oscuro: “La ruta fue larga y muy grande la carga,/ persiste en mí el aroma de pasos vagabundos/ y aún en el naufragio de mi ser subterráneo/ nado displicente contra la resaca,/ conservando intacta la condición de náufrago”.

Cuando el autor de Guerra de Guerrillas conoció que un arqueólogo norteamericano había catalogado a los monumentos históricos Tikal y Chichén-Itzá en México como de segunda categoría, le responde en el texto Palenque: “Te hiere el corazón la piqueta indiferente/ de un sabio de gafas aburridas/ y te golpea el rostro la procaz ofensa/ del estúpido “¡oh!” de un gringo turista./ Pero tienes algo vivo./ la selva te ofrenda un abrazo de troncos/ y aun la misericordia araña sus raíces.”

El poema más conmovedor —en mi opinión el más logrado— son los versos dedicados a la mujer latinoamericana, en los cuales realiza un bosquejo histórico de la explotación, miseria y discriminación a la que ha sido llevada durante toda su existencia (con una clara influencia marxista), pero con una enorme sensibilidad telúrica: “Vieja María, vas a morir,/ quiero hablarte en serio:/… Ni pidas clemencia a la muerte/ para ver crecer a tus caricias pardas;/ los cielos son sordos y en ti manda el oscuro;/ sobre todo tendrás una roja venganza,/ lo juro por la exacta dimensión de mis ideales/ tus nietos todos vivirán la aurora,/ muere en paz, vieja luchadora”.

Cuando Ernesto Guevara, con varias heridas en las piernas que le impedían caminar y el fusil despedazado por una bala, fue apresado en la Higuera por la CIA y el servicio de inteligencia boliviano, dentro de su mochila de campaña encontraron un extraño cuaderno verde: Eran 69 poesías transcritas de su propio puño y letra de literatos como César Vallejo, León Felipe y Nicolás Guillén, y además el excelente libro Canto General de Pablo Neruda.

La luz poética de Cintio Vitier

2007-10-05T09:25:00.000-07:00

La angustia, la extrañeza del ser y el desasosiego con el tiempo y el espacio son algunos de los argumentos poéticos de los que se ha valido el Premio Juan Rulfo 2002 Cintio Vitier al referirse a las circunstancias que lo rodean, a sus dudas y esperanzas.

Ahora, en una nueva edición de su obra titulada Poesía 1, se pretendió incluir sus poemarios escritos entre 1938 y 1953 y que ya está al acceso del público lector que desee acercarse a una poesía reflexiva y simbólica.

Desde su primer texto Luz ya sueño observamos esa mirada trascendental hacia la angustia, esa inquietud sobre las cosas que escapan y solo queda aprehenderlas en el pensamiento: “Qué me importas, oh retórico mundo, si mi muerte está viva/ para siempre como el hambre que devora la forma del silencio”.

No obstante, en ciertos momentos alcanza el verso de Vitier la materialidad de lo inevitable, la necesidad de la nocturnidad como confesora de sus ilusiones que “parecen extraviadas”: “cuando la noche se completa en mi corazón,/ cuando pregunto, cierto, fruto mínimo,/quién tuviera noción de la Presencia Magnífica:/ pura, sin desenlace.

La transformación de la sustancia en el Ser, el poeta la describe desde una mirada de la extrañeza, de la dialéctica entre el devenir y el sujeto que actúa por sí mismo. En su libro Palabras Perdidas de 1943 se descubre en su poema Palabras Perdidas: “Las maderas de mi casa todavía no hablan./ Oh Dios, dame un indicio, enséñame una cosa,/ canta por qué me he parado a llorar./ Escúcha-me. ¡Y di qué quieres, qué quieres, qué quieres!”

Pareciera como si el Premio Nacional de Literatura estuviera abrumado por una trascendencia que lo domina sin posibilidades de avanzar sobre su propia historia: Esto sólo deseo, testificar Tu vestidura,/ leer en Tu boca, oh Padre, lo que ha dicho alegría,/ batalla y hogar y herramientas cotidianas de la muerte./ La más tosca herramienta puede ser una espada./ El niño más humilde puede ser el palacio de la espada.

Asume la vieja discusión acerca la dualidad mente-cuerpo y más que intentar resolver el problema lo incrementa con la permanente duda de sí mismo y su angustia sobre las circunstancias que lo rodean: Diría en Himno: “He aquí mi cuerpo, la intemperie/ En su noche más pura estoy soñando/ y ofreciéndome a la clara bandera que me elige/ con idéntica sombra, soplando castamente la sangre,/ poseída su dulzura por el fuego que ha llorado mi nombre”.

La obra del escritor de Peña Pobre se ha visto influenciada en una primera etapa por El Apóstol José Martí –de quien ha sido un ferviente estudioso de su obra-, el español Juan Ramón Jiménez, el argentino Eduardo Mallea y el peruano César Vallejo. La curiosa simbiosis de la poesía simbólica del francés Arthur Rimbaud y la metafórica del cubano José Lezama Lima (con el cual llevó una estrecha amistad y formó parte del destacado grupo Orígenes) le han permitido una riqueza y originalidad en la utilización de la imagen y la complejidad en el decir.

Ya en el texto Sustancia publicado en 1950 afirma Vitier: “Mas de toda esta ilusión/ sale la extraña sustancia:/ nueva piedra, iris hondo,/ silencio, noche y aroma,/ que no termina en el tedio/ ni en el dolor ni en la dicha,/ sino que va, intraspasable/ y traspasando la bruma,/ y ardiendo, por otras senda”.

Sin dudas, la preocupación por el tiempo y el espacio lo atormenta, es una constante búsqueda por la esencia del ser: “No me responda el viento ni la vida,/ si responder es algo que no sabe/ ni ninguna criatura. Todos vamos/ ahora preguntando con la herida/ del tiempo hasta el espacio donde cabe/ la eternidad en que nos desandamos…”

Para el crítico literario y ensayista Enrique Saínz –quien prologó esta nueva edición de los poemas de Cintio Vitier- afirma que: “En estas páginas ha mirado el poeta sus circunstancias de dos maneras: como un bosque indescifrable de signos ante los cuales las palabras no son más que un umbral y como una suma de entrañables acontecimientos en los que ha desaparecido la escisión entre yo y el otro”.

El retorno al hombre de Gianni Vattimo

2007-10-02T11:02:00.000-07:00

Se piensa, a menudo, que la actitud de los filósofos respecto al mundo “real” es contemplativa, alejada de los sucedáneos cotidianos. Se conciben como seres solitarios y aburridos que viven en lugares imaginarios -en diversos momentos de la historia fueron considerados como parásitos de la sociedad.

El prominente pensador italiano, Gianni Vattimo, intenta desmentir esas ideas con su libro Ecce Comu (se pudiera traducir como el retorno al comunismo), en el cual busca el diálogo con su lector, invitándolo a la polémica sobre razón y libertad, verdad y responsabilidad.

Para el escritor de títulos como El sujeto y la máscara y La Sociedad Transparente, el hombre universal, y en específico, el sujeto europeo debe tener una acción social activa frente a las instituciones que lo oprimen y enajenan. “Ya no creo en el Parlamento Europeo, me confiesa, y tampoco milito en el partido comunista de mi país, cada vez toman posiciones hacia la derecha, es decir hacia una política agresiva y emparentada con el gobierno de Bush”.

A manera de vaticinio, se afirma en su texto Ecce…:“La izquierda si no quiere perder el corazón y la cabeza, sólo puede valerse de su herencia teórica más profunda, rica y de extraordinaria actualidad, la herencia de Carlos Marx”.

¿Vattimo, un representante del posmodernismo que en un momento exigió “liberarse de la verdad y de la historia”, proclama un retorno al pensamiento del autor del Capital?

“Sí, cambié de idea, o mejor dicho, cambié muchas de mis ideas -asegura el Doctor “honoris cause” de las Universidades de Palermo y La Plata- el gran problema es la disolución de todos los absolutos, comenzando por los impuestos ideológicamente para justificar las desigualdades “naturales” que, sin embargo, de naturales nada tienen”.

Ecce… se propone denunciar la crisis económica y política que subyace en Europa y la necesidad de articular modelos liberadores del individuo, dirigiendo su atención hacia los procesos revolucionarios latinoamericanos como en Bolivia, Venezuela y Cuba.

El texto, que sale al mundo por vez primera a través de la Editorial Cubana Ciencias Sociales, es una recopilación de artículos publicados en diversos periódicos italianos y otros que el autor fue acumulando para conformar el presente título.

Al preguntarse Vattimo si el filósofo debe o no permanecer en “itinerarios intelectuales” o leyendo en bibliotecas, asevera que “no es quizás teoría lo que la izquierda necesita, sino escuchar las señales de los tiempos y descifrarlas directamente en una empresa colectiva”.

“La memoria es clave para sostener el tiempo”

2007-09-30T15:51:00.000-07:00

Cuando el tiempo y la memoria se funden buscando el verso preciso, la imagen seductora, acaso nos parece que han dibujado nuestro ser con la perfección de una línea fina y segura de un pintor renancentista. Así me sucedió frente al Premio Nacional de Literatura e invitado de honor a la 16ma. Feria Internacional del Libro, el poeta y ensayista César López.

Usted ha dicho que se vale del absurdo para revelar otras aristas de la realidad. ¿Por qué la fusión entre absurdo y realidad?

Habría tal vez que preguntarse sobre la relación entre lo real y lo irreal, si en algún texto he intentado trabajarla es a través de la visión de la ciudad. El gran poeta inglés, T. S. Eliot, habla de la ciudad irreal, por lo tanto está también implicando la real, es decir, la formación de una nueva irrealidad y una nueva realidad. En mis cuentos, que algunos califican como absurdos, se hace presente el conflicto, es decir, mi intención es reflejar la problemática, el todo que nos rodea y que nos hace formar parte de la ciudad.

Libros como Quiebra de la perfección han sido calificados por algunos críticos como de difícil comprensión. ¿Se considera usted hermético o coloquial?

Deberíamos comenzar preguntándonos qué es el hermetismo y qué es el coloquialismo y cómo se separan ambos conceptos. Si coloquio es la conversación: ¿Es lo mismo un coloquio entre dos físicos, entre dos matemáticos, entre dos obreros metalúrgicos, entre dos amas de casa? Todo es coloquio. Se ha dicho que para la generación, o promoción, de los nacidos alrededor de los años 30, el coloquialismo fue esencial como forma de expresión. Pero, ¿Son iguales la poética de Pablo Armando Fernández y la de Roberto Fernández Retamar o la de Fayad Jamís? ¿Acaso es semejante la ironía de Luis Suardíaz con la elegancia de Mario Martínez Sobrino? El crítico literario, Virgilio López Lemus, ha sido quien ha matizado los diferentes tonos de la poesía de esa generación. Efectivamente, se proclamó la creación y la libertad de la palabra. Repetiría lo que dijimos en los años 60. “No hay buenas palabras ni malas palabras, sino palabras que funcionan adecuadamente dentro de la poesía”.

La recurrente presencia de los temas citadinos en su obra ha provocado que algunos críticos lo identifiquen como el “poeta de la ciudad”...

La ciudad me nutrió con sus conflictos, pero fue necesario, a la manera de Bertolt Brecht, distanciarme de esta. La primera versión del Libro de la Ciudad, del año 1966, no lo hubiera podido escribir si me hubiera quedado, tuve que verla de lejos. Lo que pensaba que eran poemas de odio, de rechazo a la supuesta incomprensión urbana, algunos lectores lo calificaron como un libro de amor, con el tiempo creo que tienen razón. Seguí trabajando el tema durante unos 30 años hasta concluir los tres Libros de la Ciudad. La del primer poemario parece ser la más limitada, concentrada e inspirada por mi lugar de nacimiento, Santiago de Cuba, pero se va abriendo e intenta ser muchas ciudades.

¿Por qué “vigilar el tiempo que transcurre”?

Hay muchos pensadores, poetas y ensayistas que afirman que el tema fundamental de la poesía es el tiempo. El tiempo es irredimible. Hay tiempo para vivir, para morir, para andar y para desandar lo andado, esto último me parece clave. Sin él no hay creación poética, no hay vida, pero para que haya vida y muerte, hace falta encontrar el espacio y aquí volvemos al tema anterior, es la ciudad mítica o concreta en el espacio donde el creador quiere establecer el tiempo y verlo transcurrir, “Nuestra vida son los ríos que van a dar a la mar que es el morir” escribió el español Jorge Manrique.

¿Por qué su interés en la mezcla de la poesía y la memoria?

El pensador y poeta José Lezama Lima afirmó “La memoria prepara su sorpresa, gamo en el cielo, rocío, llamarada”. Un poeta español, sin embargo, ha dicho “Si pierdo la memoria, qué pureza”. Estoy completamente en contra de esa expresión, pues la memoria es lo que nos permite estar vivos. “Ella dio al desmemoriado una almohadilla de olor” dice José Martí, metáfora increíble que tiene mucho de modernismo. Yo deseo guardar mi almohadilla de olor para no perderla, la memoria es clave para sostener el tiempo. Si no se tiene memoria, cómo se va a manejar el tiempo; si no se maneja el tiempo, cómo se va a encontrar un espacio.

¿Qué reflexión le amerita la Feria del libro?

Feria es festividad, es libro, y lo que al principio nos parecía demasiado ambicioso, extenderla hacia todo el país, ahora nos parece muy bien que tenga 40 plazas en toda la Isla. Es un homenaje a todos los creadores que están vivos, a los que murieron recientemente, pero también a los que entre los siglos XVII al XIX, desde Espejo de Paciencia, arman y sostienen la cultura cubana. Creo que está abierta al mundo, a la literatura, al coloquio. Si la Feria logra abarcar el yo de cada uno y las circunstancias que se deben asumir, entonces será un gran éxito y perdurará desde el presente hacia el futuro.

Fallece Luciano Pavarotti

2007-09-06T09:32:00.000-07:00

El legendario tenor Luciano Pavarotti murió el jueves en su casa de Italia a los 71 años de edad, dejando de luto al mundo de la ópera, que le hizo alcanzar el éxito a nivel internacional.

Considerado por muchos como el mejor tenor de su generación, Pavarotti falleció en la madrugada del jueves en su casa de la ciudad de Módena (norte de Italia), después de una larga batalla para superar el cáncer de páncreas que padecía.

"Su estado empeoró durante la madrugada", afirmó Antonio Frassoldati, uno de los doctores del equipo médico que lo asistió. "Siempre fue totalmente consciente de la situación, siempre quiso combatir la enfermedad (...) y estaba muy sereno", añadió.

El funeral se celebrará el sábado en la catedral de Módena, indicó el alcalde de la ciudad, Giorgio Pighi.

Conocido desde sus inicios por la claridad de su voz, se adentró en el mundo de la ópera cuando ganó un concurso de canto en 1961.

Entonces, realizó una gira en Europa, antes de cruzar el Atlántico en 1965 para representar en Miami "Lucia di Lammermoor", de Donizetti, compartiendo el escenario con la famosa soprano australiana Joan Sutherland, en el papel de Lucia.

Fue también con Sutherland que en febrero de 1972, Pavarotti cautivó al público con "La Fille du Regiment", también de Donizetti, en el Convent Garden de Londres y en el Metropolitan Opera de Nueva York.

"Luciano Pavarotti fue uno de los mejores cantantes de nuestro tiempo", afirmó el Royal Opera House de Londres en un comunicado.

"Tenía una capacidad única para emocionar a la gente con su emotiva y brillante voz (...). Sin duda, millones de personas lo echarán de menos", añade el comunicado.

En 1991, cerca de 150.000 personas, incluyendo el Príncipe y la Princesa de Gales, se congregaron bajo la lluvia en el Hyde Park de Londres para oírlo cantar.

El año anterior, su interpretación del aria Nessun Dorma de la ópera "Turandot" de Giacomo Puccini había sido elegida para la final del mundial de fútbol de 1990, celebrado en su Italia natal.

Pavarotti cantó también Nessun Dorma durante su última gran actuación, que tuvo lugar en Torino en la inauguración de los Juegos Olímpicos de invierno en febrero de 2006.

Entre sus iniciativas más conocidas de los últimos años se encuentran las actuaciones con los otros dos grandes cantantes del momento, José Carreras y Plácido Domingo, conocidos como los "Tres Tenores", así como los "Pavarotti y Amigos", conciertos anuales celebrados en Módena.

Carreras lamentó la desaparición de un "gran artista", "amigo, cocinero y gran jugador de póker".

El éxito de Pavarotti atrajo además la atención de las páginas de sociedad de los periódicos.

Pavarotti dejó a su esposa Adua en 1996, después de 35 años de matrimonio y tres hijas, por su secretaria Nicoletta Mantovani, con la que se casó en 2003 y con la que tuvo un hijo.

Tras una operación de cáncer en 2006, Pavarotti se sometió a al menos cinco sesiones de quimioterapia. Fue de nuevo hospitalizado el 8 de agosto y salió más de dos semanas después tras haberse sometido a diversos estudios.

Este verano, durante una ceremonia en su honor en la isla de Isquia, cerca de Nápoles, Mantovani afirmó que Pavarotti se encontraba bien y que estaba preparando su nuevo álbum.

El pasado miércoles, Pavarotti manifestó su orgullo por ser el primero en recibir un nuevo premio de "excelencia cultural" en Italia.

Dijo sentirse "muy emocionado y agradecido (...) porque este premio me da la posibilidad de seguir celebrando la magia de una vida al servicio del arte".

Las reacciones políticas ante su fallecimiento no se hicieron esperar. El primer ministro italiano, Romano Prodi, lamentó la pérdida de "una gran voz del mundo de la música en Italia".

El presidente francés, Nicolas Sarkozy, afirmó que Pavarotti ha "seducido al mundo entero" y defendió la decisión del cantante de alejarse a veces del repertorio tradicional de ópera.

"Gracias a la mezcla de estilos, este gran tenor atrajo a una audiencia aún mayor al mundo de la música clásica", estimó Sarkozy.